A ESTÉTICA DE ANTÔNIA

Esses dias me deparei com “Antônia” de Tata Amaral, juro que ainda quebro as barreiras do meu “pré-conceito” com filmes que levam a assinatura da Globo Filmes. “Antônia” sempre pareceu gritar nas prateleiras das vídeolocadoras e eu sempre procurei ignorar o seu grito. Mas como nenhum outro tipo de “opção” me ocorreu, resgatei “Antônia” e fui atacado por um musical belamente dirigido e produzido, como uma canção que ecoa como poesia para os sentidos. Lembrei-me de Glauber Rocha e sua estética da fome e descobri que deixar levar por seus preconceitos é vergonhoso.

(..) Nós compreendemos esta fome que o europeu e o brasileiro na maioria não entendeu. Para o europeu, é um estranho surrealismo tropical. Para o brasileiro, é uma vergonha nacional. Ele não come, mas tem vergonha de dizer isto; e sobretudo, não sabe de onde vem esta fome. Sabemos nós - que fizemos estes filmes feios e tristes, estes filmes gritados e desesperados onde nem sempre a razão falou mais alto, - que a fome não era curada pelos planejamentos de gabinete e que os remendos do tecnicolor não escondem, mais agravam os seus tumores. (..) (ROCHA, Glauber. Uma estética da Fome)

Não dá para negar que o inicio de “Antônia” chega a lembrar vagamente a premissa do horrível “Dreamgirls” Em Busca de um sonho”, inclusive cheguei a me perguntar depois se isso tudo não era proposital. Em partes, porque “Antônia” de forma simples deixa “Dreamgirls” no chão, deixando claro que nenhum tipo de glamour hollywoodiano cantando historinhas tristes arrebate o coração daquele que escancara a realidade na sua frente.
“Antonia” conta a história de Preta (Negra Li), Barbarah (Leila Moreno), Lena (Cindy) e Mayah (Quelynah) onde desde pequenas sonham em viver da música. Descobertas por um empresário começam a se apresentar em pequenos eventos. Com a câmera sempre em movimento e a edição em cortes secos, “Antônia” ganha um estilo muito parecido com o documentário, escrito também por Tata Amaral ao lado de Roberto Moreira a trama se desenvolve no relacionamento entre as quatro mulheres e suas dificuldades.
Lutando avassaladoramente para conquistar a ascensão profissional, o grupo musical que dá nome ao filme, precisam se desvencilhar da miséria e da violência e da própria realidade sufocante. Com uma direção de fotografia muito bem trabalhada, o fotógrafo Jacob Solitrenik representa fielmente o sentimento de “Antônia” mergulhando a câmera nos inclinados caminhos do morro, onde o sonho está na paisagem fora daquele retalho social, no embaçado e granulado céu, o que revela a estética do cinema nacional, o estranho surrealismo tropical que nos dizia Glauber Rocha.
Não dá para não falar do elenco criado por Sérgio Penna, das quatro jovens cria com naturalidade incrível, o valor documental de “Antônia”. Curioso também é o trabalho das atrizes que em certo momento percebem até a presença da câmera revelando ao público a proposta do documentário. Até o empresário Diamante (Thaíde) divertidíssimo, mostrou-se um ótimo ator.

(...) já passou o tempo em que o Cinema Novo precisava processar-se para que se explique, à medida que nossa realidade seja mais discernível à luz de pensamentos que não estejam debilitados ou delirantes pela fome. O Cinema Novo não pode desenvolver-se efetivamente enquanto permanecer marginal ao processo econômico e cultural do continente Latino-Americano; além do mais, porque o Cinema Novo é um fenômeno dos povos novos e não uma entidade privilegiada do Brasil: onde houver um cineasta disposto a filmar a verdade, e a enfrentar os padrões hipócritas e policialescos da censura intelectual, aí haverá um germe vivo do Cinema Novo. Onde houver um cineasta disposto a enfrentar o comercialismo, a exploração, a pornografia, o tecnicismo, aí haverá um germe do Cinema Novo. Onde houver um cineasta, de qualquer idade ou de qualquer procedência, pronto a pôr seu cinema e as sua profissão a serviço das causas importantes do seu tempo, aí o haverá um germe do Cinema Novo. A definição é esta e por esta definição o Cinema Novo se marginaliza da indústria porque o compromisso do Cinema Industrial é com a mentira e com a exploração. A integração econômica e industrial do Cinema Novo depende da liberdade da América Latina. Para esta liberdade, o Cinema Novo empenha-se, em nome de si próprio, de seus mais próximos e dispersos integrantes, dos mais burros aos mais talentosos, dos mais fracos aos mais fortes. É uma questão moral que se refletirá nos filmes, no tempo de filmar um homem ou uma casa, no detalhe que observar, na moral que pregar: não é um filme mas um conjunto de filmes em evolução que dará, por fim, ao público a consciência de sua própria miséria. (...) (ROCHA, Glauber. A Estética da Fome).


“Antônia” revelou-se mais uma obra prima do cinema nacional, como proposta do consumo já dito por Glauber Rocha, estamos num patamar em que o cinema estrangeiro nos vê como discussão social e um surrealismo cult, o que é um pouco vergonhoso quando nós, brasileiros, vemos tudo isso como apenas uma vergonha nacional.

UMA DAS CURIOSIDADES DO CINEMA VERDADE

O cinema verdade já carregou décadas de polêmicas e de certa forma décadas de questionamentos sobre sua verdade, mas pelo jeito até os tempos de hoje ele tem mostrado sua presença no meio do entretenimento.
Alguns dias atrás acabei descobrindo que a banda Snow Patrol em seu clipe “Open your Eyes”, o qual vemos a subjetiva de um carro correndo em alta velocidade por Paris, em apenas uma cena, sem cortes, até que ele pára, o motorista do carro desce e abraça uma garota que o está esperando, é uma cena de 1976 e do cinema verdade.
O cinema verdade surgiu no final dos anos 50 e refere-se na teoria e prática, a um gênero de documentário que se empenha em captar,l sem fins didáticos ou de ilustração histórica, a realidade tal e qual ela é, o que procura reproduzir aquilo que na realidade acontece. É um cinema do real que, admitindo um certo grau de subjetividade enquanto forma de expressão.
O videoclipe de “Open your Eyes” do Snow Patrol é todo de um curta metragem de Claude Lelouche de 1976 chamado “C´était um rendezvous” (Foi um encontro). A seqüência hoje recebe da minha visão outra expressão, o que antes era meramente original, agora demonstra ser uma brincadeira ou homenagem, de repente até um protesto a um movimento de 30 e poucos anos atrás. Ainda mais a saber que Claude Lelouche amarrou a câmera de 35mm (o que não chega ser nem um pouco pequeno como as digitais de hoje) na frente de uma Mercedez e por não ter permissão para rodar em todas aquelas ruas de Paris, fez isso as 5 da manhã atravessando sinal vermelho, ao redor do “Arco do Triunfo”, Champs-Élysées, na contra-mão, sobre calçadas e a 180 Km/h. O único truque no filme foi substituir o som da Mercedez por de uma Ferrari para dar mais efeito. No final do passeio, toda a aventura se revela como a pressa do amante para encontrar a amada. Depois da primeira projeção do curta, Lelouch foi preso por botar em risco a segurança pública. Graças ao cinema verdade.

AGORA: SOBRE TRILHAS

Alguns dias atrás “zapeando” por alguns canais da TV, me deparei com o filme O Senhor dos Anéis e a Sociedade do Anel, bem a uma cena em que soava uma trilha, e em especial desse filme, que desde o primeiro momento que a escutei sempre me deixou com o espírito animado. Depois disso pensei em como poderia compartilhar com as pessoas sobre a música no cinema, o que em grande parte colabora e muito para o sucesso de um filme. Dessa necessidade, no espaço dessa coluna, vou compartilhar os score tracks com vocês, e tenho certeza que de alguma forma ou outra a sua consciência vai se interligar a um mundo em que não é apenas o fato de escutar uma boa música, ou apenas uma nova forma de sentir o filme. Encontrar boas trilhas sonoras e escutá-las é uma se conectar a uma expressão única e especial. Basta sentir, afinal sair dessa realidade e entrar num mundo imagético de poesia musical é incrivelmente catártico. 1 – O Senhor dos Anéis: A Sociedade do Anel. Desde que Peter Jackson anunciou que filmaria O Senhor dos Anéis, muitos comentários surgiram sobre quem teria condições de criar as músicas da Terra Média. Os prediletos como Jerry Goldsmith, John Williams e até mesmo James Horner que já compôs fantasias como Krull e Willow. Mas como para quebrar o óbvio, Peter Jackson escolheu Howard Shore, o que foi uma surpresa. A capacidade do homem das trilhas sombrias e eletrônicas levou à dúvida sobre a sua competência em compor para grande orquestra. E o resultado foi a primeira parte da trilogia do Senhor dos Anéis. Dividido em 3 etapas, a trilha sonora na sua primeira parte é baseada em um lírico-celta que representa o condado dos Hobbits desenvolvido de forma criativa com flauta doce, cordas e strings que eleva plenamente o espírito. A outra parte representa os Espectros do Anel e começa a criar o tom de urgência e desespero da trama, baseado em orquestra e coral. A última parte retoma o lírico e emotivo e pode-se dizer que em certa parte amansa o ouvinte mais durão. Com participação da cantora Enya em duas faixas da trilha, harmoniosamente se integra a partitura. Senhor dos Anéis: A Sociedade do Anel pode ser considerado um dos melhores trabalhos de Howard Shore. Uma poesia emotiva e clássica e em certos pontos transcendente. Com alguns tons experimentais, o compositor deixa sua marca registrada e chega a questionar o fato de John Williams e Jerry Goldsmith conseguirem um trabalho único como esse. Merecedor e conquistador do Oscar de Melhor Trilha Sonora, Howard Shore encanta em sua primeira indicação. O motivo dessa minha primeira indicação sobre as trilhas vem de um acaso e também do fato de ser uma das melhores que aprecio. Agora: Sobre Trilhas é mais uma forma nesse espaço encantar, representar e discutir o cinema que é tão mais catártico quando você conversa com a sua musicalidade.

ENTREVISTA: MATHEUS NACHTERGAELE PARTE 1

Na edição de junho de Revista Rolling Stone, Paulo Terron entrevista o ator Matheus Nachtergaele, com quase duas décadas de carreira, alternando-se entre televisão, teatro e cinema, fala sobre sua estréia na direção com o polêmico “A Festa da Menina Morta”, a história de um culto religioso surgido ao redor de um “menino santo”, que recebeu de um cachorro as roupas de uma menina desaparecida. O filme já passou por festivais, e levou um prêmio de melhor direção nos Estados Unidos, no Chicago International Film Festival. Rolling Stone – De onde você tirou a história da menina morta? Matheus Nachtergaele – Eu vi algo parecido com aquilo. Acho que tem coisa sobre tempo sendo dita, com relação à morte, a Deus, e acho que é um filme sobre um cara que é um emissário de Deus levado à loucura. É um filme sobre o luto e a superação dele, em vários aspectos. Eu acho que a religião é luto. Acho que nossa história é boa. Ela quer dizer o seguinte: o que acontece com um homem sem mãe. É isso. RS – Em algum momento você hesitou por querer tratar de religião no filme? MN – Nunca. Acho que sempre estive ligado à religião, amigo. RS – Mas o problema não é você, é a reação das pessoas que estão vendo. MN – Acho que não existe religião. Existe uma necessidade absoluta e muito precária em crer. Ninguém tem de se ofender com nada, no meu filme ninguém detona nada. A não ser pelo fato de que entra promiscuamente na intimidade dos participantes de uma seita. Não existe um demérito ou um mérito. RS – Sua relação com os diretores mudou depois de passar por essa experiência de dirigir? MN – Não. Foi o que tinha de ser. Amo fazer o que eu faço. RS – Você sempre quis dirigir? MN – Não. Eu não sempre quis dirigir. Bonito isso, né? Eu não sempre quis dirigir... RS – Quanto tempo durou o processo de produção do filme? MN – Dez anos. Eu não tive uma relação com o filme como se fosse um cineasta. Fiz o filme como foi possível pra produção e pra mim. [Ele foi feito] muito lentamente... Mas eu filmei o meu roteiro, do jeito que eu sonhei. A palavra “sonhei é ruim, né? Entre a primeira escritura e agora foram dez anos. Aconteceram duas novelas, por exemplo, nesse tempo [Da Cor do Pecado, de 2004, e América, de 2005]. FIM DA PRIMEIRA PARTE. CONTINUA NA PRÓXIMA COLUNA.

CINEMA, VEGETAIS E CONVERGÊNCIA DAS MÍDIAS

A maior rede de hortifrutigranjeiros do país, a Hortifruti tem apostado em campanhas publicitárias diferenciadas com a intenção de atingir diversos públicos, fora isso a Hortifruti tem consolidado cada vez mais a sua marca através de ações que aproximam e identificam o público-alvo, tornando a publicidade não menos direta, mas muito mais atrativa. A última campanha da Hortifruti uniu os vegetais com grandes nomes das bilheterias do cinema. Abaixo alguns outdoors veiculados.

Aproveitando o sucesso da campanha, a Hortifruti com o objetivo de atingir o público-jovem criou a campanha Hortitube onde os consumidores postarão histórias usando os vegetais como protagonistas. A Hortifruti tem estado a frente na sua comunicação, a convergência das mídias hoje é necessária, afinal o consumidor acompanha a tecnologia e a empresa que estiver atrás disso cairá no anonimato.

ENTRE OS MUROS DA ESCOLA

“... o professor se tornou um aprendiz permanente, um construtor de sentidos, um cooperador, e sobretudo, um organizador da aprendizagem.” “De nada adiantará ensinar , se os alunos não conseguirem organizar o seu trabalho, serem sujeitos ativos da aprendizagem, auto-disciplinados, motivados.”
Quando assisti “Entre os Muros da Escola” resgatei muitas vezes um texto que escrevi em minha Pós-Graduação na disciplina de Metodologia do Ensino sobre a “Responsabilidade Social e o papel do Professor”, por isso o cito a fim de representar o contexto da obra densa e excepcional do francês Laurent Cantet.
Primeiro longa francês a ganhar a Palma de Ouro em Cannes desde 1987, o filme é roteirizado pelo diretor Laurent Cantet ao lado de Robin Campillo e François Bégaudeau. Adaptação do livro autobiográfico escrito pelo próprio François Bégaudeau nos traz um ano na relação de um professor de francês com seus alunos em uma escola de Paris. Aproveitando em sua disciplina além de ensinar gramática e literatura, procura mostrar um pouco sobre o mundo a seus discípulos e por diversas formas e estratégias diante as fortes personalidades de seus alunos, do geek oriental Wey às questionadoras e desafiadoras amigas Esmeralda e Rachel, o aluno novo Carl e o impulsivo Souleyman. Francés Bégaudeau, além de roteirista e escritor da própria obra, estréia como ator e vive o professor de francês.
A obra se torna fenomenal por ser crua e verdadeira, apostando em uma estrutura narrativa de documentário com a câmera sempre na mão e trilhas nada convencionais, além disso Laurent resgata as características do neo-realismo e emprega um elenco de amadores representando versões de si mesmos em meio a cortes secos de uma montagem direta, criando a dualidade e uma sensação de acompanharmos os fatos a medida que estes acontecem em uma ambiente de improvisação.
O ar espetacular de “Entre os Muros da escola” está também na complexidade dos personagens. O filme não cria e nem representa estereótipos, os alunos surpreendem a cada momento, pois não adotam posturas nem um pouco rebeldes, mesmo porque demonstram interesse em grande parte da aula, participativos a debates e o que não os impedem de defender seus interesses e desafiar o próprio professor. Bégaudeau, uma versão ficcional de si mesmo, constrói um professor digno e realizador da função de “educador” ou “organizador da aprendizagem”, procura sempre estratégias diferentes de estimular os alunos a partir de suas preferências pessoais. Não tem como não se encantar com a atuação de Bégaudeau, a sua habilidade em usar as ferramentas (o que não é fácil) do ensinador e a preocupação que tem com a aprendizagem dos alunos e até mesmo com a integridade de cada um.

“O professor da contemporaneidade vive intensamente o seu tempo com consciência e sensibilidade. Não se pode imaginar um futuro para a humanidade sem educadores. Os educadores, numa visão emancipadora, não só transformam a informação em conhecimento e em consciência crítica, mas também formam pessoas. Diante dos falsos pregadores da palavra, dos “marqueteiros”, eles são os verdadeiros “amantes da sabedoria”, os filósofos de que nos falava Sócrates. Eles fazem fluir o saber - não o dado, a informação, o puro conhecimento - porque constróem sentido para a vida das pessoas e para a humanidade e buscam, juntos, um mundo mais justo, mais produtivo e mais saudável para todos. Por isso eles são imprescindíveis”. (SILVEIRA, Murilo. Responsabilidade Social e o papel do professor.)

“Entre os Muros da Escola” é um exercício da inter-relação entre aluno, professor e instituição e o mais surpreendente é que nessa relação é necessário assumir “papéis” e personagens, o que muitas das vezes não é nada fácil, porque são de pessoas que se tratam e pessoas são complexas, ainda mais quando uma tem a necessidade em defender seus interesses.

CINEMA, VÍDEOLOCADORAS E URUBUS

O filme do fim de semana ou o dia romântico chuvoso regado a filmes tem se tornado cada dia mais difícil. A crise econômica é um fator sério e as pessoas têm cortado as coisas que elas dizem ser mais supérfluas como o lazer ou o entretenimento. Obviamente também como um dos fatores iniciais para a crise das vídeolocadoras, a pirataria se mantém e cresce com mais força a cada dia, o que já ocasionou o fechamento de muitas empresas. De acordo com a União Brasileira de Vídeo – UBV com dados revelados à Folha Online, existem 8 mil locadoras no país, 4 mil a menos que três anos atrás.
Alguns proprietários acreditam que os fatores citados acima não são os principais e sim a diversidade da indústria do entretenimento como bares, shows, restaurantes e eventos, as pessoas não tem mais tempo para ficar em casa, se no dia a dia correm com o trabalho, nos fins de semanas aproveitam a diversão.
Independente dos fatores, a realidade é que os estabelecimentos, sejam vídeolocadoras pequenas, médias ou de grande porte tem buscado alternativas para sobreviver aos problemas que vem enfrentando. A Cristal Video encontrou nos filmes clássicos e raros uma forma de atrair clientes. A pirataria nesse caso não tem muita influência sendo que as produções antigas não costumam tanto ser o alvo das reproduções. A Dumont, vídeolocadora tradicional de Belo Horizonte sofreu transformações atualmente agregando vários tipos de negócios e conta agora com uma loja de conveniência e um espaço para uma operadora de celular. Para facilitar ainda mais a vida do cliente, a Dumont possui atendimento online e entrega os filmes escolhidos na casa do consumidor. Esse processo ocorreu também com a Blockbuster que foi vendida às Lojas Americanas e criou a Americanas Express tendo a locação de filmes apenas como um item a mais.
Outro fator preocupante das empresas do segmento são as transições de mídias. Desde a transformação da fita VHS para o DVD, as vídeolocadoras começaram a se adaptar e acompanhar o processo tecnológico. Agora com a invenção do Blue-ray, os DVDs estão com os dias contados. Essa nova mídia é mais cara, mas até por enquanto não conseguiu ser alvo da pirataria e possui ponto positivo em armazenamento de dados, e o principal, qualidade de imagem e som, são fatores que vai deixar o cliente mais satisfeito, se o Blue-ray popularizar e der certo é possível ver luz no fim do túnel, se não as vídeolocadoras começarão a fechar suas portas.
Com tantos problemas as empresas vem tentando manter e fidelizar os clientes através de promoções e campanhas contra a pirataria, alguns proprietários também acreditam que as vídeolocadoras poderão de alguma forma se beneficiar também com os downloads de internet.
As empresas acreditam ainda que só continuam abertas por causa dos cinéfilos, esse grupo que tem verdadeira paixão pelo cinema ainda buscam os filmes de diversos tipos, do filme B ao de Hollywood, e é um grupo que as empresas se preocupam em manter. Algumas já viraram um “point cultural”, onde há livros, revistas e filmes, onde os amantes do cinema poderão trocar idéias e experiências, mas a crise ainda tem desacelerado um pouco essa proposta.
O futuro desse segmento é incerto, os problemas existem e lutar contra isso é um pouco difícil, é uma indústria lutando contra diversas indústrias e todas pelo mesmo público-alvo. Algumas são obrigadas agir de forma correta, outras se aproveitam da possibilidade, mas no fim todos perdem. Infelizmente isso contribui para a banalização da cultura, afinal apreciar a arte tem tido seu preço e a expressão disso tudo tem virado um filme onde o personagem principal é o dinheiro.