CINETRAMA

A ESTÉTICA DE ANTÔNIA

2009-08-03T06:23:00.000-07:00

Esses dias me deparei com “Antônia” de Tata Amaral, juro que ainda quebro as barreiras do meu “pré-conceito” com filmes que levam a assinatura da Globo Filmes. “Antônia” sempre pareceu gritar nas prateleiras das vídeolocadoras e eu sempre procurei ignorar o seu grito. Mas como nenhum outro tipo de “opção” me ocorreu, resgatei “Antônia” e fui atacado por um musical belamente dirigido e produzido, como uma canção que ecoa como poesia para os sentidos. Lembrei-me de Glauber Rocha e sua estética da fome e descobri que deixar levar por seus preconceitos é vergonhoso.

(..) Nós compreendemos esta fome que o europeu e o brasileiro na maioria não entendeu. Para o europeu, é um estranho surrealismo tropical. Para o brasileiro, é uma vergonha nacional. Ele não come, mas tem vergonha de dizer isto; e sobretudo, não sabe de onde vem esta fome. Sabemos nós - que fizemos estes filmes feios e tristes, estes filmes gritados e desesperados onde nem sempre a razão falou mais alto, - que a fome não era curada pelos planejamentos de gabinete e que os remendos do tecnicolor não escondem, mais agravam os seus tumores. (..) (ROCHA, Glauber. Uma estética da Fome)

Não dá para negar que o inicio de “Antônia” chega a lembrar vagamente a premissa do horrível “Dreamgirls” Em Busca de um sonho”, inclusive cheguei a me perguntar depois se isso tudo não era proposital. Em partes, porque “Antônia” de forma simples deixa “Dreamgirls” no chão, deixando claro que nenhum tipo de glamour hollywoodiano cantando historinhas tristes arrebate o coração daquele que escancara a realidade na sua frente.
“Antonia” conta a história de Preta (Negra Li), Barbarah (Leila Moreno), Lena (Cindy) e Mayah (Quelynah) onde desde pequenas sonham em viver da música. Descobertas por um empresário começam a se apresentar em pequenos eventos. Com a câmera sempre em movimento e a edição em cortes secos, “Antônia” ganha um estilo muito parecido com o documentário, escrito também por Tata Amaral ao lado de Roberto Moreira a trama se desenvolve no relacionamento entre as quatro mulheres e suas dificuldades.
Lutando avassaladoramente para conquistar a ascensão profissional, o grupo musical que dá nome ao filme, precisam se desvencilhar da miséria e da violência e da própria realidade sufocante. Com uma direção de fotografia muito bem trabalhada, o fotógrafo Jacob Solitrenik representa fielmente o sentimento de “Antônia” mergulhando a câmera nos inclinados caminhos do morro, onde o sonho está na paisagem fora daquele retalho social, no embaçado e granulado céu, o que revela a estética do cinema nacional, o estranho surrealismo tropical que nos dizia Glauber Rocha.
Não dá para não falar do elenco criado por Sérgio Penna, das quatro jovens cria com naturalidade incrível, o valor documental de “Antônia”. Curioso também é o trabalho das atrizes que em certo momento percebem até a presença da câmera revelando ao público a proposta do documentário. Até o empresário Diamante (Thaíde) divertidíssimo, mostrou-se um ótimo ator.

(...) já passou o tempo em que o Cinema Novo precisava processar-se para que se explique, à medida que nossa realidade seja mais discernível à luz de pensamentos que não estejam debilitados ou delirantes pela fome. O Cinema Novo não pode desenvolver-se efetivamente enquanto permanecer marginal ao processo econômico e cultural do continente Latino-Americano; além do mais, porque o Cinema Novo é um fenômeno dos povos novos e não uma entidade privilegiada do Brasil: onde houver um cineasta disposto a filmar a verdade, e a enfrentar os padrões hipócritas e policialescos da censura intelectual, aí haverá um germe vivo do Cinema Novo. Onde houver um cineasta disposto a enfrentar o comercialismo, a exploração, a pornografia, o tecnicismo, aí haverá um germe do Cinema Novo. Onde houver um cineasta, de qualquer idade ou de qualquer procedência, pronto a pôr seu cinema e as sua profissão a serviço das causas importantes do seu tempo, aí o haverá um germe do Cinema Novo. A definição é esta e por esta definição o Cinema Novo se marginaliza da indústria porque o compromisso do Cinema Industrial é com a mentira e com a exploração. A integração econômica e industrial do Cinema Novo depende da liberdade da América Latina. Para esta liberdade, o Cinema Novo empenha-se, em nome de si próprio, de seus mais próximos e dispersos integrantes, dos mais burros aos mais talentosos, dos mais fracos aos mais fortes. É uma questão moral que se refletirá nos filmes, no tempo de filmar um homem ou uma casa, no detalhe que observar, na moral que pregar: não é um filme mas um conjunto de filmes em evolução que dará, por fim, ao público a consciência de sua própria miséria. (...) (ROCHA, Glauber. A Estética da Fome).

“Antônia” revelou-se mais uma obra prima do cinema nacional, como proposta do consumo já dito por Glauber Rocha, estamos num patamar em que o cinema estrangeiro nos vê como discussão social e um surrealismo cult, o que é um pouco vergonhoso quando nós, brasileiros, vemos tudo isso como apenas uma vergonha nacional.

UMA DAS CURIOSIDADES DO CINEMA VERDADE

2009-08-03T06:15:00.000-07:00

O cinema verdade já carregou décadas de polêmicas e de certa forma décadas de questionamentos sobre sua verdade, mas pelo jeito até os tempos de hoje ele tem mostrado sua presença no meio do entretenimento.
Alguns dias atrás acabei descobrindo que a banda Snow Patrol em seu clipe “Open your Eyes”, o qual vemos a subjetiva de um carro correndo em alta velocidade por Paris, em apenas uma cena, sem cortes, até que ele pára, o motorista do carro desce e abraça uma garota que o está esperando, é uma cena de 1976 e do cinema verdade.
O cinema verdade surgiu no final dos anos 50 e refere-se na teoria e prática, a um gênero de documentário que se empenha em captar,l sem fins didáticos ou de ilustração histórica, a realidade tal e qual ela é, o que procura reproduzir aquilo que na realidade acontece. É um cinema do real que, admitindo um certo grau de subjetividade enquanto forma de expressão.
O videoclipe de “Open your Eyes” do Snow Patrol é todo de um curta metragem de Claude Lelouche de 1976 chamado “C´était um rendezvous” (Foi um encontro). A seqüência hoje recebe da minha visão outra expressão, o que antes era meramente original, agora demonstra ser uma brincadeira ou homenagem, de repente até um protesto a um movimento de 30 e poucos anos atrás. Ainda mais a saber que Claude Lelouche amarrou a câmera de 35mm (o que não chega ser nem um pouco pequeno como as digitais de hoje) na frente de uma Mercedez e por não ter permissão para rodar em todas aquelas ruas de Paris, fez isso as 5 da manhã atravessando sinal vermelho, ao redor do “Arco do Triunfo”, Champs-Élysées, na contra-mão, sobre calçadas e a 180 Km/h. O único truque no filme foi substituir o som da Mercedez por de uma Ferrari para dar mais efeito. No final do passeio, toda a aventura se revela como a pressa do amante para encontrar a amada. Depois da primeira projeção do curta, Lelouch foi preso por botar em risco a segurança pública. Graças ao cinema verdade.

AGORA: SOBRE TRILHAS

2009-08-03T06:03:00.000-07:00

Alguns dias atrás “zapeando” por alguns canais da TV, me deparei com o filme O Senhor dos Anéis e a Sociedade do Anel, bem a uma cena em que soava uma trilha, e em especial desse filme, que desde o primeiro momento que a escutei sempre me deixou com o espírito animado. Depois disso pensei em como poderia compartilhar com as pessoas sobre a música no cinema, o que em grande parte colabora e muito para o sucesso de um filme. Dessa necessidade, no espaço dessa coluna, vou compartilhar os score tracks com vocês, e tenho certeza que de alguma forma ou outra a sua consciência vai se interligar a um mundo em que não é apenas o fato de escutar uma boa música, ou apenas uma nova forma de sentir o filme. Encontrar boas trilhas sonoras e escutá-las é uma se conectar a uma expressão única e especial. Basta sentir, afinal sair dessa realidade e entrar num mundo imagético de poesia musical é incrivelmente catártico. 1 – O Senhor dos Anéis: A Sociedade do Anel. Desde que Peter Jackson anunciou que filmaria O Senhor dos Anéis, muitos comentários surgiram sobre quem teria condições de criar as músicas da Terra Média. Os prediletos como Jerry Goldsmith, John Williams e até mesmo James Horner que já compôs fantasias como Krull e Willow. Mas como para quebrar o óbvio, Peter Jackson escolheu Howard Shore, o que foi uma surpresa. A capacidade do homem das trilhas sombrias e eletrônicas levou à dúvida sobre a sua competência em compor para grande orquestra. E o resultado foi a primeira parte da trilogia do Senhor dos Anéis. Dividido em 3 etapas, a trilha sonora na sua primeira parte é baseada em um lírico-celta que representa o condado dos Hobbits desenvolvido de forma criativa com flauta doce, cordas e strings que eleva plenamente o espírito. A outra parte representa os Espectros do Anel e começa a criar o tom de urgência e desespero da trama, baseado em orquestra e coral. A última parte retoma o lírico e emotivo e pode-se dizer que em certa parte amansa o ouvinte mais durão. Com participação da cantora Enya em duas faixas da trilha, harmoniosamente se integra a partitura. Senhor dos Anéis: A Sociedade do Anel pode ser considerado um dos melhores trabalhos de Howard Shore. Uma poesia emotiva e clássica e em certos pontos transcendente. Com alguns tons experimentais, o compositor deixa sua marca registrada e chega a questionar o fato de John Williams e Jerry Goldsmith conseguirem um trabalho único como esse. Merecedor e conquistador do Oscar de Melhor Trilha Sonora, Howard Shore encanta em sua primeira indicação. O motivo dessa minha primeira indicação sobre as trilhas vem de um acaso e também do fato de ser uma das melhores que aprecio. Agora: Sobre Trilhas é mais uma forma nesse espaço encantar, representar e discutir o cinema que é tão mais catártico quando você conversa com a sua musicalidade.

ENTREVISTA: MATHEUS NACHTERGAELE PARTE 1

2009-07-07T05:34:00.000-07:00

Na edição de junho de Revista Rolling Stone, Paulo Terron entrevista o ator Matheus Nachtergaele, com quase duas décadas de carreira, alternando-se entre televisão, teatro e cinema, fala sobre sua estréia na direção com o polêmico “A Festa da Menina Morta”, a história de um culto religioso surgido ao redor de um “menino santo”, que recebeu de um cachorro as roupas de uma menina desaparecida. O filme já passou por festivais, e levou um prêmio de melhor direção nos Estados Unidos, no Chicago International Film Festival. Rolling Stone – De onde você tirou a história da menina morta? Matheus Nachtergaele – Eu vi algo parecido com aquilo. Acho que tem coisa sobre tempo sendo dita, com relação à morte, a Deus, e acho que é um filme sobre um cara que é um emissário de Deus levado à loucura. É um filme sobre o luto e a superação dele, em vários aspectos. Eu acho que a religião é luto. Acho que nossa história é boa. Ela quer dizer o seguinte: o que acontece com um homem sem mãe. É isso. RS – Em algum momento você hesitou por querer tratar de religião no filme? MN – Nunca. Acho que sempre estive ligado à religião, amigo. RS – Mas o problema não é você, é a reação das pessoas que estão vendo. MN – Acho que não existe religião. Existe uma necessidade absoluta e muito precária em crer. Ninguém tem de se ofender com nada, no meu filme ninguém detona nada. A não ser pelo fato de que entra promiscuamente na intimidade dos participantes de uma seita. Não existe um demérito ou um mérito. RS – Sua relação com os diretores mudou depois de passar por essa experiência de dirigir? MN – Não. Foi o que tinha de ser. Amo fazer o que eu faço. RS – Você sempre quis dirigir? MN – Não. Eu não sempre quis dirigir. Bonito isso, né? Eu não sempre quis dirigir... RS – Quanto tempo durou o processo de produção do filme? MN – Dez anos. Eu não tive uma relação com o filme como se fosse um cineasta. Fiz o filme como foi possível pra produção e pra mim. [Ele foi feito] muito lentamente... Mas eu filmei o meu roteiro, do jeito que eu sonhei. A palavra “sonhei é ruim, né? Entre a primeira escritura e agora foram dez anos. Aconteceram duas novelas, por exemplo, nesse tempo [Da Cor do Pecado, de 2004, e América, de 2005]. FIM DA PRIMEIRA PARTE. CONTINUA NA PRÓXIMA COLUNA.

CINEMA, VEGETAIS E CONVERGÊNCIA DAS MÍDIAS

2009-06-15T10:01:00.000-07:00

A maior rede de hortifrutigranjeiros do país, a Hortifruti tem apostado em campanhas publicitárias diferenciadas com a intenção de atingir diversos públicos, fora isso a Hortifruti tem consolidado cada vez mais a sua marca através de ações que aproximam e identificam o público-alvo, tornando a publicidade não menos direta, mas muito mais atrativa. A última campanha da Hortifruti uniu os vegetais com grandes nomes das bilheterias do cinema. Abaixo alguns outdoors veiculados.

Aproveitando o sucesso da campanha, a Hortifruti com o objetivo de atingir o público-jovem criou a campanha Hortitube onde os consumidores postarão histórias usando os vegetais como protagonistas. A Hortifruti tem estado a frente na sua comunicação, a convergência das mídias hoje é necessária, afinal o consumidor acompanha a tecnologia e a empresa que estiver atrás disso cairá no anonimato.

ENTRE OS MUROS DA ESCOLA

2009-06-08T05:45:00.000-07:00

“... o professor se tornou um aprendiz permanente, um construtor de sentidos, um cooperador, e sobretudo, um organizador da aprendizagem.” “De nada adiantará ensinar , se os alunos não conseguirem organizar o seu trabalho, serem sujeitos ativos da aprendizagem, auto-disciplinados, motivados.”
Quando assisti “Entre os Muros da Escola” resgatei muitas vezes um texto que escrevi em minha Pós-Graduação na disciplina de Metodologia do Ensino sobre a “Responsabilidade Social e o papel do Professor”, por isso o cito a fim de representar o contexto da obra densa e excepcional do francês Laurent Cantet.
Primeiro longa francês a ganhar a Palma de Ouro em Cannes desde 1987, o filme é roteirizado pelo diretor Laurent Cantet ao lado de Robin Campillo e François Bégaudeau. Adaptação do livro autobiográfico escrito pelo próprio François Bégaudeau nos traz um ano na relação de um professor de francês com seus alunos em uma escola de Paris. Aproveitando em sua disciplina além de ensinar gramática e literatura, procura mostrar um pouco sobre o mundo a seus discípulos e por diversas formas e estratégias diante as fortes personalidades de seus alunos, do geek oriental Wey às questionadoras e desafiadoras amigas Esmeralda e Rachel, o aluno novo Carl e o impulsivo Souleyman. Francés Bégaudeau, além de roteirista e escritor da própria obra, estréia como ator e vive o professor de francês.
A obra se torna fenomenal por ser crua e verdadeira, apostando em uma estrutura narrativa de documentário com a câmera sempre na mão e trilhas nada convencionais, além disso Laurent resgata as características do neo-realismo e emprega um elenco de amadores representando versões de si mesmos em meio a cortes secos de uma montagem direta, criando a dualidade e uma sensação de acompanharmos os fatos a medida que estes acontecem em uma ambiente de improvisação.
O ar espetacular de “Entre os Muros da escola” está também na complexidade dos personagens. O filme não cria e nem representa estereótipos, os alunos surpreendem a cada momento, pois não adotam posturas nem um pouco rebeldes, mesmo porque demonstram interesse em grande parte da aula, participativos a debates e o que não os impedem de defender seus interesses e desafiar o próprio professor. Bégaudeau, uma versão ficcional de si mesmo, constrói um professor digno e realizador da função de “educador” ou “organizador da aprendizagem”, procura sempre estratégias diferentes de estimular os alunos a partir de suas preferências pessoais. Não tem como não se encantar com a atuação de Bégaudeau, a sua habilidade em usar as ferramentas (o que não é fácil) do ensinador e a preocupação que tem com a aprendizagem dos alunos e até mesmo com a integridade de cada um.

“O professor da contemporaneidade vive intensamente o seu tempo com consciência e sensibilidade. Não se pode imaginar um futuro para a humanidade sem educadores. Os educadores, numa visão emancipadora, não só transformam a informação em conhecimento e em consciência crítica, mas também formam pessoas. Diante dos falsos pregadores da palavra, dos “marqueteiros”, eles são os verdadeiros “amantes da sabedoria”, os filósofos de que nos falava Sócrates. Eles fazem fluir o saber - não o dado, a informação, o puro conhecimento - porque constróem sentido para a vida das pessoas e para a humanidade e buscam, juntos, um mundo mais justo, mais produtivo e mais saudável para todos. Por isso eles são imprescindíveis”. (SILVEIRA, Murilo. Responsabilidade Social e o papel do professor.)

“Entre os Muros da Escola” é um exercício da inter-relação entre aluno, professor e instituição e o mais surpreendente é que nessa relação é necessário assumir “papéis” e personagens, o que muitas das vezes não é nada fácil, porque são de pessoas que se tratam e pessoas são complexas, ainda mais quando uma tem a necessidade em defender seus interesses.

CINEMA, VÍDEOLOCADORAS E URUBUS

2009-05-26T10:40:00.000-07:00

O filme do fim de semana ou o dia romântico chuvoso regado a filmes tem se tornado cada dia mais difícil. A crise econômica é um fator sério e as pessoas têm cortado as coisas que elas dizem ser mais supérfluas como o lazer ou o entretenimento. Obviamente também como um dos fatores iniciais para a crise das vídeolocadoras, a pirataria se mantém e cresce com mais força a cada dia, o que já ocasionou o fechamento de muitas empresas. De acordo com a União Brasileira de Vídeo – UBV com dados revelados à Folha Online, existem 8 mil locadoras no país, 4 mil a menos que três anos atrás.
Alguns proprietários acreditam que os fatores citados acima não são os principais e sim a diversidade da indústria do entretenimento como bares, shows, restaurantes e eventos, as pessoas não tem mais tempo para ficar em casa, se no dia a dia correm com o trabalho, nos fins de semanas aproveitam a diversão.
Independente dos fatores, a realidade é que os estabelecimentos, sejam vídeolocadoras pequenas, médias ou de grande porte tem buscado alternativas para sobreviver aos problemas que vem enfrentando. A Cristal Video encontrou nos filmes clássicos e raros uma forma de atrair clientes. A pirataria nesse caso não tem muita influência sendo que as produções antigas não costumam tanto ser o alvo das reproduções. A Dumont, vídeolocadora tradicional de Belo Horizonte sofreu transformações atualmente agregando vários tipos de negócios e conta agora com uma loja de conveniência e um espaço para uma operadora de celular. Para facilitar ainda mais a vida do cliente, a Dumont possui atendimento online e entrega os filmes escolhidos na casa do consumidor. Esse processo ocorreu também com a Blockbuster que foi vendida às Lojas Americanas e criou a Americanas Express tendo a locação de filmes apenas como um item a mais.
Outro fator preocupante das empresas do segmento são as transições de mídias. Desde a transformação da fita VHS para o DVD, as vídeolocadoras começaram a se adaptar e acompanhar o processo tecnológico. Agora com a invenção do Blue-ray, os DVDs estão com os dias contados. Essa nova mídia é mais cara, mas até por enquanto não conseguiu ser alvo da pirataria e possui ponto positivo em armazenamento de dados, e o principal, qualidade de imagem e som, são fatores que vai deixar o cliente mais satisfeito, se o Blue-ray popularizar e der certo é possível ver luz no fim do túnel, se não as vídeolocadoras começarão a fechar suas portas.
Com tantos problemas as empresas vem tentando manter e fidelizar os clientes através de promoções e campanhas contra a pirataria, alguns proprietários também acreditam que as vídeolocadoras poderão de alguma forma se beneficiar também com os downloads de internet.
As empresas acreditam ainda que só continuam abertas por causa dos cinéfilos, esse grupo que tem verdadeira paixão pelo cinema ainda buscam os filmes de diversos tipos, do filme B ao de Hollywood, e é um grupo que as empresas se preocupam em manter. Algumas já viraram um “point cultural”, onde há livros, revistas e filmes, onde os amantes do cinema poderão trocar idéias e experiências, mas a crise ainda tem desacelerado um pouco essa proposta.
O futuro desse segmento é incerto, os problemas existem e lutar contra isso é um pouco difícil, é uma indústria lutando contra diversas indústrias e todas pelo mesmo público-alvo. Algumas são obrigadas agir de forma correta, outras se aproveitam da possibilidade, mas no fim todos perdem. Infelizmente isso contribui para a banalização da cultura, afinal apreciar a arte tem tido seu preço e a expressão disso tudo tem virado um filme onde o personagem principal é o dinheiro.

CRIAÇÃO DA IMAGEM

2009-05-26T10:28:00.000-07:00

No ano de 2008, na edição número 4 da Revista Reserva Cultural Ano 1 da Editora Lazuli, a diretora de arte Guta Carvalho, onde trabalhou em filmes como “Nina” e o ótimo “O Cheiro do Ralo”, contou como sua função no set de filmagens faz a diferença – mesmo que poucos percebam.
Como sempre ao assistir um filme foco muito no poder imagético e escrevi muito sobre ele nas colunas anteriores, a entrevista de Guta Carvalho na Revista Reserva Cultural retrata um pouco sobre a importância da direção de arte e imagem, alicerce da narrativa cinematográfica.
Reserva Cultural – Como é seu processo criativo?
Guta Carvalho – É longo, geralmente demoro meses. Depois de ler roteiro, fico pelo menos uns dois meses procurando imagens que possam traduzir o que o roteiro está falando. Por exemplo, assisto a vários filmes pensando nesse roteiro, leio livros, procuro um conceito em pinturas clássicas e modernas. Além disso, tenho um caderno onde guardo as coisas que vêm à minha cabeça a respeito do projeto. Às vezes lendo uma revista, vejo uma imagem que acho a cara do filme. Aí guardo essa imagem no caderno.
RC – Mas também muita coisa que já vem especificada no roteiro...
GC – Tem, mas tudo isso pode mudar. Na verdade, muda muito. Essa coisa de imagem no roteiro é quase só para não ficar tão simples. Quase nunca a concepção visual está no reoteiro.
RC – Como foi seu trabalho de pesquisa em “À Deriva”, que é um filme que se passa nos anos 80?
GC – Além do conceito visual que eu e o diretor achávamos que o filme tinha de ter, tive uma grande pesquisa de época, baseada em muitas fotos do meu arquivo pessoal. Também assisti a filmes feitos no período e a outros que retratam essa época. Acho que qualquer filme que saia da atualidade se torna mais difícil de fazer. Por exemplo, você não pode errar na roupa... porque direção de arte também é figurino. Apesar de que a concepção talvez não seja mais difícil do que a de um filme passado nos dias de hoje. Em um filme que retrata um tempo passado, você está copiando uma época.
RC – Qual o conceito visual que você buscou em “Nina” e em “O Cheiro do Ralo?
GC – Demorou três anos só para captar o dinheiro para fazer “Nina”, e o diretor já tinha me chamado para o projeto. Durante todo esse tempo, a gente conversava o tempo todo sobre o filme, baseado no livro “Crime e Castigo”, de Dostoievski. Então, o projeto imagético do filme é expressionista, feito totalmente como se estivesse dentro da cabeça da personagem. A direção de arte já foi pensada para não ter cor em quase nenhum elemento. É até exagerado, mas é porque é expressionista. Já “O Cheiro do Ralo” foi pensado numa paleta de marrons e beges, era o que a gente achava que a história contava. Esse cara vivia um ciclo estranho e era obsessivo, achei que um tom de bege traduziria o sentimento dele. E como é um cara solitário, anda por ruas desertas, a sala onde trabalha é grande, tudo isso ajuda a mostrar a dureza de sua vida. Ele sempre está caminhando por lugares que têm muros, e você vê pequenininho ali. Assim, a história é traduzida em imagem.
Reserva Cultural – Na sua opinião, por que a arte de “O Cheiro do Ralo” foi tão elogiada pelo público e pela crítica?
Guta Carvalho – Teve bastante crítica ruim também [risos] . Gosto de “Nina” tanto quanto, mas como não foi tão bem sucedido, por vários motivos, a direção de arte também não foi falada. Todo mundo gosta de “O Cheiro do Ralo”, aí gostam de tudo no filme: trilha sonora, direção de arte etc. Como vem de uma história em quadrinhos, do Lourenço Mutarelli, tem um pouco desse lado cômico na direção de arte também. Acho que as pessoas se identificam com isso. Poderia ser uma coisa, mas não é. Traz quase uma alegria ver aqueles objetos curiosos, as pessoas reparam porque é diferente. Essa direção de arte não é tão óbvia, tem uma sala enorme onde tem até um fliperama. Isso não estava no roteiro, mas traz um humor que as pessoas gostam de ver.
RC – Você considera que, especialmente no Brasil, o projeto de arte é pouco discutido e problematizado?
GC – Acho que realmente se fala pouco e não se discute... a questão estética ainda é uma coisa muito nova no Brasil. É um problema muito sério, as pessoas acham que é menos importante mesmo. Agora está melhorando bastante. Mas, no Brasil, a tendência é retratar muito a realidade como ela é, não há uma busca por imagens novas.
RC – Como se dá a formação de um diretor de arte e quais são as referências teóricas?
GC – Cada pessoa tem uma formação diferente da outra. Não existe uma escola específica. Então, tem gente que vem da arquitetura; atores de Teatro que resolvem fazer figurino, acabam fazendo cenário e depois viram diretores de arte. As únicas escolas que têm cenografia são para teatro. Também tem bastante artista plástico que vira diretor de arte de cinema. Além disso, algumas pessoas conseguem estudar fora do Brasil.
RC – Geralmente, qual a estrutura e o tamanho da equipe que é subordinada à direção de arte?
GC – Em geral, tem o diretor de arte e um assistente; se o projeto tiver muita construção, também tem um cenógrafo; um produtor de arte; um produtor de objetos; e o contra-regras, que é super importante nos filmes. Cada produtor tem um assistente, sempre tem vários estagiários. Nos Estados Unidos, tem o que eles chamam de “production designer”, que é o cara que cria o conceito visual do filme, e o diretor de arte executa esse conceito.
RC – Que tipo de diálogo você estabelece com o diretor de fotografia para que essa parceria, que é tão fundamental no cinema, seja harmoniosa?
GC – Preciso saber o que o fotógrafo quer de mim, e o que quero dele também. Então, sempre conversamos sobre os pontos de luz que vão ter nos cenários; por onde entrará a luz (se vai ser por cima, pela lateral etc.). A cor da parede, por exemplo, é super importante para o fotógrafo. Dependendo do que ele quiser , não posso usar branco. Aliás, eles odeiam o branco... é muito balancear as outras cores com branco. Então, o diretor de arte precisa entender como vai ser a fotografia, para fazermos o projeto em conjunto.

O PRESSÁGIO

2009-04-27T06:56:00.000-07:00

Alex Proyas em seu novo “O Presságio” marca sua volta com maestria. Depois do ótimo “Cidade das Sombras” e do mediano “Eu,Robô” o diretor consegue oscilar entre o suspense, ficção e drama familiar. Afinal tratar de temas apocalípticos têm sido muito comum, mas Proyas encanta em aproveitar-se do clichê e transformar a ficção em uma possível realidade.
Nos minutos iniciais o filme parece promover uma proposta um pouco clichê dos filmes de terror, homenagem ou não, vemos a convenção utilizada em “O Iluminado” quando somos apresentados a Lucinda Embry (Lara Robinson) uma garotinha que parece escutar certos tipos de vozes e acaba escrevendo números estranhos em uma folha de papel, quando sua professora pede a sala de aula produzir desenhos que serão colocados numa “Cápsula do Tempo” que será aberta depois de 50 anos. Após esse tempo entram na trama o astrofísico John Koestler (Nicolas Cage) e seu filho Caleb (Chandler Canterbury), que estuda na mesma escola que a garotinha Lucinda, recebe como parte das comemorações dos 50 anos da instituição, uma folha com números escritos preenchida por Lucinda retirada da “Cápsula do Tempo”. Não demora muito para que John descubra que aqueles números remetem as datas de grandes tragédias ocorridas nas últimas décadas, assim como os locais, o número de vítimas e os três últimos desastres que acontecerá nos próximos dias.
Baseado na atmosfera sombria de “Cidade das Sombras”, sem o processo expressionista, Proyas cria uma narrativa pesada e angustiante em “O Presságio”. Filmado no outono norte-americano, todo esse ar frio e melancólico, reflete-se nas árvores semi-nuas, o chão coberto de folhas secas e o céu acizentado de vez em quando. A evolução da trama mergulha o espectador num clima de tensão crescente, em meio a reviravoltas e descobertas que desafiam a compreensão da inteligência e razão do protagonista e a cada cena a história se torna cada vez mais interessante à medida que a trama vai se fechando, o roteiro procura não seguir um encadeamento lógico por mais que ameace soar absurdo ou fantástico. Como foi dito “ O Presságio” é uma ficção, mas com possíveis verdades.
Nicolas Cage, retorna dessa vez sem seus maneirismos e encarna John Koestler como um homem deprimido e que vive em função do seu filho e na maior parte do tempo ele se sai admiravelmente bem ao retratar a forte ligação com Caleb. Cage também fascina com a forma de lidar com a descoberta, fascinado ele desafia sua posição e precisa combater seu determinismo com a busca da escolha própria.
Repleto de simbolismos, “O Presságio” realmente fascina pela sua força imagética e dessa forma se torna um filme fora dos parâmetros comerciais, mesmo se promovendo como se fosse. A discussão da existência humana também é retratada de forma muito madura, o filme não se nega discutir religião, ciência e o que muitos filmes se negam discutir, “falsas verdades” e a própria evolução da humanidade.
“O Presságio” é um filme que encanta e gera reflexão, primeiro pelo fato da categoria dos efeitos especiais e segundo pelo o que ele quer ser discutido. Poucas e poucas obras tem a coragem de botar a cultura de massa em reflexão, de repente até anestesiar aquilo que é possível no futuro, mas feliz de Alex Proyas que volta tornar a buscar da massa a discussão do mundo, afinal ficar nos quatro arreios do apocalipse têm sido o atraso de um Mundo que fica estagnado nas possibilidades do sobrenatural.

O CINEMA NO DIVÃ

2009-04-13T12:21:00.000-07:00

Assistir um filme tem sido um pouco mais do que entretenimento, a ciência tem buscado sua utilidade na área cinematográfica e descobriu que personagens e histórias bem construídas são ótimos remédios para a mente do espectador. É a filmeterapia.
Algo como assistir “Ray” e através de sua traumática história resolver um pouco os problemas de baixa auto-estima ou reconhecer o nosso poder interior com o magnífico “O Mágico de Oz” e combater a depressão ou até mesmo o pessimismo combatido por “Um dia de Cão”.
Um dos precursores dessa técnica terapêutica é o psicólogo norte-americano Gary Solomon. No livro “The Motion Picture Prescription” (“O Cinema como Remédio”), Solomon afirma que os filmes são verdadeiras representações da vida cotidiana e exemplos de como a vida imita a arte. “Se uma pessoa assistir a um longa que se encaixa em sua problemática pessoal, é muito provável que se identifique e encontre um jeito de aprender e crescer com ele”, afirma Gary Solomon.
Os psicólogos seguidores da filmeterapia indicam filmes com enredos semelhantes às histórias dos pacientes. Psicanalistas também têm adotado a técnica, assim como Jacob Pinheiro Goldberg, autor do livro “Psicologia em Curta-Metragem”. “Também costumo recomendar para meus clientes filmes que de alguma maneira expõem o significado da existência, como os do diretor japonês Akira Kurosawa. Quem procura a psicoterapia e a psicanálise quer entender o significado da sua vida”, diz Jacob.
A filmeterapia trabalha o reconhecimento e a compreensão dos conflitos, assim como o equilíbrio das emoções. “Se o paciente está em depressão, prescrevemos uma comédia para levantar seu astral. Já se ele estiver muito eufórico, o remédio é um filme mais realista”, explica a psicóloga clínica Joya Eliezer.
O resultado da filmeterapia é imediato, dizem os especialistas. “Não importa a emoção da pessoa – choro, raiva, alegria, excitação - , o alívio é imediato”, diz o psicanalista Geraldo Martins, coordenador do projeto “Ler a Imagem”, do Centro Universitário Newton Paiva, em Belo Horizonte.
Não basta apenas sentar frente à tela e assistir a qualquer filme para que a filmeterapia seja eficiente. “Antes de mais nada, o terapeuta precisa compreender o que se passa com o paciente, para não recomendar uma história errada. Depois ele explica o porquê de determinado filme e pede para que o paciente anotar os pontos mais sensíveis, que mais mexem com ele, para serem discutidos”, explica Joya.
O psicanalista italiano Vincenzo Mastonardi, professor de psicopatologia forense da universidade La Sapienza, de Roma e autor de “Filmtherapy – I Film Che ti Aiutano a Stare Meglio” (Filmeterapia, os Filmes Que Ajudam Você a Estar Melhor) e um dos maiores especialistas do mundo em filmeterapia. Na obra ele cataloga mais de 2000 títulos indicados para tratar males causados por conflitos familiares e amorosos, dificuldades no trabalho, depressão, ansiedade e distúrbios do humor, assim como outros. Mastonardi afirma que, ao término do tratamento, os pacientes apresentam uma sensível diminuição na predisposição dessas patologias.
É o cinema e/ou os filmes mais uma vez mostrando sua representabilidade na vida dos indivíduos, desde sua invenção é possível a cinematografia ter sido um dos remédios da “cura” do mundo, afinal não existe nada melhor do que ser representado. A filmeterapia às vezes pode até não ser o esperado, mas com certeza a satisfação de ver um filme ou ir ao cinema é sempre válida, é só olhar em volta, sozinho ou não você sempre vai estar bem acompanhado.

FONTE: REVISTA GALILEU

O LEITOR.

2009-03-23T11:11:00.001-07:00

Um país, seja qual for, quando carrega na sua história o fardo da destruição, homicídio e vergonha é difícil perante ao mundo resgatar novamente o brilho de uma nação. O Holocausto por exemplo, através de um desejo profundamente nacionalista de recuperar o brilho do passado, viabilizou o crescimento de um “câncer” que se alastrou sobre uma sociedade envergonhada do extermínio de mais de seis milhões de pessoas. É desse sentimento de vergonha do povo alemão, no período pós-guerra que move a trama do ótimo “O Leitor”.
A história é sobre um jovem estudante na Alemanha Oriental em 1958, Michael Berg (David Kross) conhece por acaso a misteriosa Hanna Schmitz (Kate Winslet) ao ser ajudado por esta quando passava mal em função de uma febre. Depois de curado, ele procura a mulher para agradecer e, quando se dá conta, já está na cama com a mulher, que, bem mais velha, o apresenta às maravilhosas possibilidades do sexo. Conhecendo um relacionamento diferente da frieza que o tem com sua família, Michael se vê apaixonado por Hanna, que, antes de cada relação sexual, pede que o rapaz leia algo (um livro ou gibi) para sua satisfação. No entanto, subitamente Hanna desaparece da vida de Michael, este acaba se tornando uma rapaz triste e solitário. Alguns anos passam, Michael torna-se estudante de Direito e reencontra uma ex-nazista sendo julgada por um terrível crime de guerra cometido quando era responsável por 300 prisioneiras judias. Esta ex-nazista é Hanna.
Em seu primeiro trabalho em Hollywood, o jovem ator alemão David Kross impressiona por sua atuação e constrói um Michael que não consegue acreditar na sorte de encontrar uma mulher experiente, bonita e que se entregue a ele sem pudores. Com o passar do tempo da trama, mais seguro de si, não consegue livrar-se da sua carência emocional quando encontra Hanna, mostra que a mulher foi uma figura importante em sua vida. Já quando o vemos como universitário, David já convence ao representar Michael universitário como um garoto solitário e introspectivo, o que facilita o espectador identificar ao encontrar Michael em sua versão adulta (Ralph Fiennes).
Como uma das melhores da sua geração, Kate Winslet como de costume entrega-se ao papel, abandona a beleza ao surgir com as axilas não depiladas, estabelece Hanna como uma mulher ignorante que usa o sexo como forma de comunicação com o jovem Michael. A fim de mostrar a profunda intimidade física entre os personagens, Winslet (como de costume) não demonstra restrição ao aparecer completamente nua em cena. Fora isso, é o segredo da miserável Hanna que fascina do ponto de vista psicológico e Winslet representa isso maravilhosamente, a sua vergonha em função de uma deficiência particular. Curioso também é quando Hanna é confrontada com seu antigo crime, suas atitudes e crença absoluta, surgem aos olhos de Michael uma criatura de repulsa e pena. E tudo isso representa o sentimento de culpa do povo alemão no pós-guerra, os julgamentos realizados nessa época, serviam como purgação da culpa interna e como um doloroso tapa na cara no orgulho alemão. O julgamento da figura Hanna, era a acusação contra o povo alemão que no mínimo cometera o crime de omissão ao não se interessar pelo que passava nos campos de concentração.
Escrito por David Hare, a partir do livro de Bernhard Schlink, e dirigido por Stephen Daldry (As Horas) pecam apenas na utilização de estilos narrativos artificiais e melodramáticos e “O Leitor” não tem nada disso. O filme é tristeza, solidão e vergonha. É um filme sobre alimentar e evitar pensar no passado. Um país, novamente seja ele qual for, que vive eternamente da angústia do saber e nada fazer e que a dor e a vergonha sobre a cumplicidade e a omissão acompanham o passado e o futuro de qualquer um.

DIRETO DA FÁBRICA: O QUE VEM POR AÍ.

2009-03-23T11:08:00.000-07:00

PIRATAS DO CARIBE 4 – A quarta aventura de “Piratas do Caribe” pode chegar aos cinemas em 3-D. Segundo informações do blog da colunista da Variety, Thompson On Hollywood, profissionais especializados no recurso comentaram que a Disney tem interesse em realizar o projeto em 3-D. A Atriz Keira Knightley não participará da continuação. É o que ela declarou ao site Moviefone enquanto promovia seu novo filme , The Edge of Love.

HARRY POTTER E AS RELÍQUIAS DA MORTE PARTE 1 – A adaptação do último livro da saga Harry Potter será dividida em duas partes. A primeira chegará aos cinemas em novembro de 2010 e a continuação, que encerrará a saga do jovem bruxo, entrará em cartaz seis meses depois, em maio de 2011.

LUA NOVA – Com nova direção, a continuação do sucesso de bilheteria de “Crepúsculo” vem assinada por Chris Weitz diretor de American Pie. A sequência será lançada em novembro de 2009 e contará com a participação da atriz Dakota Fanning que interpretará Jane, uma vampira cruel que faz parte do clã dos Volturi. Boatos surgem que a cantora Madonna estaria envolvida na trilha de Lua Nova, rumores disseram também que a cantora faria uma ponta no filme, mas esse fato já foi desmentido.

O HOMEM DE FERRO 2 – A continuação de “O homem de ferro” já tem data prevista para lançamento em maio de 2010. É confirmada a participação de Scarlett Johansson para interpretar a vilã Viúva Negra, e Mickey Rourke como o vilão Wiplash.

ROBIN HOOD – Ridley Scott é o novo diretor do príncipe dos ladrões. O filme com título ainda não definido já tem data de estréia em 14 de maio de 2010. Russel Crowe viverá Robin Hood e o vilão da saga. Cate Blanchet também já confirmou sua participação como protagonista da história.

IT: THE MOTION PICTURE – Depois do sucesso de Watchmen, graphic novel considerada bastante difícil de se adaptar para os cinemas, a Warner Bros. anunciou um novo desafio: levar às grandes telas o livro It, de Stephen King.
O responsável por transformar o livro em um filme será Dave Kajganish, que escreveu o roteiro de “Invasores”. A história de It é centrada em um grupo de sete pessoas que, quando crianças, enfrentam um criatura centenária que se alimentava do medo e mudava de forma, aparecendo ora como It, ora como o palhaço Parcimonioso. O livro já foi adaptado para TV, como uma minissérie, em 1990.

E SE AS CELEBRIDADES VIVESSEM EM OUTRAS ÉPOCAS?

2009-03-09T05:13:00.000-07:00

Saiu um concurso de photoshop com o tema “E se as celebridades vivessem em outras épocas?. O site worth1000 divulgou os resultados,confira aqui os mais interessantes.

Elvis na era do hip hop

Chaplin e Wall-e

Marilyn Monroe e o resultado de seus escândalos

George Clooney em Casablanca

Marilyn Monroe no recente A Casa das Coelhinhas

Confira os outros resultados aqui

EM BREVE NOS CINEMAS

2009-03-03T04:41:00.000-08:00

QUEM QUER SER MILIONÁRIO – Jamal Malik, um orfão de 18 anos das favelas de Mumbai, está há apenas um passo de ganhar o surpreendente prêmio de 20 milhões de rúpias na versão indiana do programa de televisão "Quem Quer Ser Um Milionário?". Preso sob suspeita de ter trapaceado, ele conta à polícia sua incrível história de vida como um menino de rua, e sobre a garota que tanto ama, mas que também perdeu. Mas o que uma criança sem nenhum interesse em dinheiro estaria fazendo nesse programa? E como é possível que ele soubesse todas as respostas. Filme vencedor de 8 Oscar.
THE WATCHMEN - O FILME – "Watchmen" é situado em uma América alternativa de 1985, na qual super-heróis fantasiados são parte da estrutura comum da sociedade, e o "Relógio do Juízo Final" - que marca a tensão entre os Estados Unidos e a União Soviética - é permanentemente acertado em cinco minutos para a meia-noite. Quando um de seus antigos colegas é assassinado, o abatido, mas não menos determinado, vigilante mascarado Rorschach decide investigar um plano para matar e desacreditar todos os super-heróis do passado e do presente. À medida em que ele se reconecta com sua antiga legião de combate ao crime - um grupo desorganizado de super-heróis aposentados, dentre os quais somente um possui verdadeiros poderes - Rorschach vislumbra uma ampla e perturbadora conspiração que está ligada ao passado deles e a catastróficas conseqüências para o futuro. A missão deles é vigiar a humanidade... Mas quem está vigiando os Watchmen?
THE SPIRIT – O FILME – A história de um ex-investigador novato da polícia que retorna misteriosamente do mundo dos mortos como Spirit para combater o crime nas sombras de Central City. Seu arquiinimigo, o Octopus tem uma missão diferente: aniquilar a amada cidade de Spirit enquanto busca a sua visão pessoal da imortalidade. Spirit persegue esse assassino frio percorrendo os armazéns soturnos e esgueirando-se por catacumbas úmidas e pelas docas açoitadas pelo vento de Central City, enfrentando ao mesmo tempo um bando de beldades que querem seduzir, amar ou matar nosso cruzado mascarado.
FROST/NIXON – Em uma série de entrevistas no programa de TV apresentado por David Frost, o então presidente americano Richard Nixon acaba por assumir a culpa pelo escândalo de Watergate. Filme indicado ao Oscar como: Melhor filme, melhor ator, melhor diretor, melhor roteiro adaptado e melhor edição.
FORÇA POLICIAL - Os policiais seguem a vida obedecendo a um estrito código de honra: "proteja sempre os seus". A família Tierney é uma dinastia de oficiais, começando pelo patriarca Francis, passando pelos filhos Francis Jr., Ray e Sean e chegando ao genro Jimmy Egan. Para eles, o código não tem apenas a ver com trabalho, mas sim com família. Quando uma batida de rotina em um ponto de drogas dá terrivelmente errado, um escândalo de corrupção no coração da polícia acaba se tornando a principal manchete dos jornais. Nomeado investigador do caso, Ray descobre mais do que gostaria quando percebe que o rastro do crime aponta direto para a sua própria casa. Qualquer decisão que ele tome pode mudar para sempre sua vida e também daqueles que ama.

O OSCAR VAI PARA...

2009-03-03T04:36:00.000-08:00

Ultimamente a entrega do Oscar tem perdido suas surpresas e deixado bastante visível suas preferências, mostrando seus favoritos, o que na minha opinião, muitas das vezes não são realmente os favoritos. Mas tudo bem, a academia tem o seu jeito um pouco sarcástico de ser e as pessoas sempre vão estar lá para aplaudir... de pé.
O grande vencedor da noite foi “Quem quer ser milionário?” o que para o Brasil pode ter soado um pouco doloroso, apesar de ser um “Cidade de Deus” com atores indianos que falam inglês (!), claro que a história é bem diferente, mas o tom de “Quem quer ser milionário?” remete muito ao filme de Fernando Meirelles. Os merecidos como melhor filme poderiam ter sido “O Leitor” ou até mesmo “Milk – A voz da igualdade”, mas pelo menos reconheceu e não premiou o ridículo “O Curioso caso de Benjamin Button”. Melhor Filme – “Quem quer ser milionário?”.
E sem surpresas, obviamente Danny Boyle ganha como melhor diretor com “Quem quer ser milionário?” , mas gostaria que tivesse sido Stephen Daldry com “O Leitor” e também Gus Van Sant com “Milk – A voz da igualdade”, David Fincher como ótimo diretor também, mas não com o “O Curioso caso de Benjamin Button”. Melhor Diretor – “Danny Boyle” – “Quem quer ser Milionário?”.
O melhor ator já era certo que Sean Penn ganhasse, uma categoria bastante disputada e nem um pouco injusta, apesar de ter torcido para Mickey Rourke, mas Sean Penn estava ótimo em “Milk - A voz da igualdade”. Surpresa seria se Brad Pitt ganhasse, apesar de ser um bom ator, mas a academia dessa vez realmente não queria fazer feio. Melhor ator – Sean Penn – “Milk – A voz da igualdade”.
Na categoria melhor atriz Kate Winslet finalmente recebeu carinho da academia e merecidamente, apesar de ter torcido por Meryl Streep, afinal todas as indicadas eram merecedoras, mas fiquei feliz com essa categoria, afinal Kate Winslet já tinha sido indicado seis vezes nas premiações passadas e a academia injustamente esnobou o talento dessa atriz. Melhor atriz – Kate Winslet – “O Leitor”.
O melhor ator coadjuvante era certo, realmente merecedor, mas a academia sempre busca um espaço para homenagens e Heath Ledger não escaparia obviamente. Surpresa seria ver Robert Downey Jr. receber a estatueta, não que não fosse merecedor, afinal todos os indicados são bons atores, mas como dito acima surpresa realmente não teria. Melhor Ator Coadjuvante – Heath Ledger – “Batman – O cavaleiro das trevas”.
E Penélope Cruz recebeu a estatueta como Melhor atriz coadjuvante e com gosto, as outras atrizes também tinham sido boas mas não tão exigentes quanto Cruz. Afinal seu papel em Vicky Cristina Barcelona é realmente merecedor. Melhor atriz Coadjuvante – Penélope Cruz – “Vicky Cristina Barcelona”.
As outras categorias, não mais importante, tiveram poucas surpresas e premiações merecedoras, os filmes estrangeiros não cheguei a ter opinião formada, pois não tive acesso, mas após quase 50 anos, vence um filme japonês. Apesar de seus erros, dessa vez a academia deu o tiro certo, o filme de mais indicações, “O curioso caso de Benjamin Button”, saiu ganhando apenas categorias técnicas.

DÚVIDA

2009-03-03T04:28:00.000-08:00

Quando vemos a cena de um padre realizando um sermão que trata sobre a solidão provocada por um doloroso segredo e emocionado ao dizer aquelas palavras perante a sua congregação, sabemos que dali surge o próprio abandono de suas funções e até mesmo o padre entrega-se a uma confissão pública como se ali estivesse prestes a revelar a dor cruciante de seu segredo. E o tal Padre Brendan Flynn (Philip Seymour Hoffman) com sua irritante simpatia, temperamento sensível, gera ao espectador a dúvida, se daquele sermão escutamos o desabafo de um padre, ou o retrato da sociedade que se esconde dentro de seus segredos e desejos. Eis a “Dúvida”.
A grande questão apresentada pelo texto de John Patrick Shanley e por sua própria direção também, gira em torno da relação criada entre o Padre Brendan e o jovem Donald Miller (Joseph Foster), a suspeita da Irmã James (Amy Adams) do relacionamento duvidoso entre o padre e o garoto, alerta sua superiora, a Madre Aloysius (Meryl Streep), que concluí que algo terrível está acontecendo na Escola da Igreja e decidida a impedir que o Padre Brendan continue a “maltratar” os alunos. “Dúvida” é ambientado em 1964 e remete claramente aos escândalos sobre pedofilia que atingiram os católicos nos últimos vinte anos.
“Dúvida” é uma obra extraordinariamente bem tecida e nada simples, o complexo roteiro de John Patrick Shanley surge completamente sugestivo em todos os sentidos. Nos poucos momentos em que vemos o padre a sós com Donald Miller, seu comportamento soa impecável, já que o carinho para com o menino não parece ocultar segundas intenções e mais duvidoso ainda é a admiração do garoto ao acompanhar os sermões do Padre Brendan que tampouco parece indicar um ressentimento como conseqüência de abuso de poder e confiança. Em contrapartida, a Irmã Aloysius aparece como uma mulher que tem o prazer em disciplinar seus jovens alunos, sempre caçando uma nova vítima. Uma pessoa rígida e puramente conservadora, soa sem paciência e preconceituosa. Meryl Streep como a Irmã Aloysius, acredito que mereça a estatueta dourada como Melhor Atriz, já que constrói uma Madre repressora que não enxerga prazer algum na vida, mais preocupada em punir do que prestar atenção nos sermões, fala baixo e sempre controlada contrasta com o olhar sempre acusatório, é uma dessas pessoas que a alegria se transmite em falhas tentativas de humor, e Streep ilustra comicamente em certa cena, assim como fascina quando com raiva segura seu crucifixo como uma arma.
E Philip Seymour Hoffman em sua primeira cena já aparece mergulhado em Padre Brendan, quando seu gestual marcante, seu olhar e entonação como padre experiente e envolvido com sua congregação. Com sorriso benevolente e o interesse genuíno no bem estar das crianças da escola, logo cativa o espectador e começa a plantar sementes de dúvida através de sutilezas e Seymour é expert nisso.
“Dúvida” é uma daqueles filmes que você não consegue respirar por um momento, seja pelo teor da proposta, ou até mesmo pela sutileza dos diálogos, e poucos filmes sem ação e efeitos de edição conseguem captar a atenção do espectador, mas “Dúvida” em sua essência é “assustador” e até mesmo triste porque nos envolvemos com personagens que defendem com unhas e dentes suas convicções e não é dúvida alguma que os acalmam. Contando com diálogos cortantes e bem concebidos e ditos com pura elegância, o filme mantém a força de seu título até o fim.
E, se ainda temos dúvida, é porque não somos convictos suficientes com nossas ações e até mesmo corajosos suficientes em enfrentar o tamanho da verdade, seja qual for. Afinal, atitudes nunca foram verdadeiras sobre a sombra da indecisão.

DVD LANÇAMENTO

2009-03-03T04:26:00.000-08:00

ENSAIO SOBRE A CEGUEIRA – Adaptação do premiado livro escrito por José Saramago, mostra uma inexplicável epidemia de cegueira branca que se alastra rapidamente. Todos os cegos são enviados para um hospital psiquiátrico abandonado, onde ficam isolados do mundo.
AS DUAS FACES DA LEI – Após 30 anos como parceiro no Departamento de Polícia de Nova York, os condecorados detetives David Fisk e Thomas Cowan deveriam estar aposentados, mas não estão. Eles são chamados para investigar um assassinato com um caso envolvido com eles há alguns anos atrás.
ENSINANDO A VIVER – Quando era criança, David sempre se sentiu excluído, e cresceu sonhando com o dia em que os Ets viriam levá-lo para o espaço. Sua imaginação o transformou em um escritor de sucesso. David sempre quis ser pai e resolve adotar Dennis, uma problemática criança que acredita ser um alienígena.
VIOLÊNCIA GRATUITA – Neste thriller provocante e brutal do diretor Michael Haneke, uma família em férias recebe a inesperada visita de dois jovens profundamente perturbados. A partir daí suas férias de sonhos se transformam em pesadelo quando são sujeitados a inimagináveis terrores e provocações para continuarem vivos.
EM BREVE – CONTROLE ABSOLUTO - Depois de ter seu irmão gêmeo morto de maneira misteriosa, um jovem e uma mãe solteira são acusados de serem terroristas. Os dois, então, são forçados a se tornar membros de um grupo que planeja assassinar um político.

O NEVOEIRO

2009-03-03T04:16:00.000-08:00

Tudo parece proposital em O Nevoeiro, se você está a fim de ver mais um daqueles filmes trash-comerciais no cinema, sim você vai ver... mas não se engane, porque nele vai ter mais do que isso... monstros atacando pessoas, e pessoas matando pessoas.
Adaptado por Frank Darabont, O Nevoeiro, terceiro filme adaptado de uma obra de Stephen King, nos apresenta David Drayton (Thomas Jane) que surge na trama finalizando a arte de um cartaz de cinema.
Quando uma tempestade anuncia, David vai para o porão com a esposa e seu filho Billy (Nathan Gamble). Na manhã seguinte, a família descobre que a casa sofreu danos durante a noite. Percebendo que a casa precisaria de reforma e que outra tempestade poderia estar próxima, David, seu filho e um vizinho, Brent (Andre Braugher), onde teve desentendimentos tempos atrás no tribunal resolvem ir até a cidade em busca de mantimentos.
Chegando na cidade, um misterioso nevoeiro aproxima-se deixando David, Billy, Brent e outros residentes presos em um supermercado depois de descobrirem que por trás dessa névoa encontra-se um perigo desconhecido.
Assim como todas as histórias horripilantes de King, O Nevoeiro não se difere em seu aspecto, é terror, mistério e palco do espetáculo da natureza humana, coisa que o escritor sempre soube fazer muito bem, e Darabont também. Ao mesmo tempo que o nevoeiro esconde a ameaça misteriosa, da população revela os medos e sua própria condição.
Frank Darabont é responsável por outras duas adaptações de Stephen King ( Um sonho de liberdade e À espera de um milagre) e acerta mais uma vez em compreender o emprego do terror de King para analisar o comportamento de seus personagens, seus dilemas morais e religiosos que impelem uns contra os outros. E está aí o trunfo de O Nevoeiro, um filme que discute o comportamento dos indivíduos perante a religião ou a contraposição entre fé e ciência o que gera certas atitudes horripilantes dos personagens e até os 20 minutos finais do filme você vai estar horrorizado, pedindo que um “monstrinho” apareça logo.
Destaque também pelas atuações de O nevoeiro. Thomas Jane acerta como protagonista e ilustra David de maneira natural e convincente acertando também nas cenas dramáticas, assim como a maioria dos atores do filme. E atenção pela ótima atuação e performance nada sutil de Marcia Gay Harden, que prova ser uma ótima atriz mesmo quando investe numa quase caricatura. Interpretando a evangélica fundamentalista, a nojenta e repugnate Sra. Carmody se transforma ao longo do filme, o ser mais ameaçador e assustador de O Nevoeiro. E já adianto, não porque ela se transforma em algum monstro purulento. E acredito que aí esteja o fascinante do filme. No mundo fora de O Nevoeiro, sabemos que não existem monstros com tentáculos, dentes afiados, insetos gigantes devoradores de carne humana , mas criaturas monstruosas como certos personagens, humanos. E se deixarmos nos levar ou até mesmo contrariar, eles podem se tornam seres assustadores e destruidores da moral e completamente indestrutíveis. Afinal quem se cega pela fé se cega por um nevoeiro que revela todos os monstros da contraposição, seja pela religião, seja pela ciência ou por uma lado mais sério, a defesa da sua verdade.

2009-03-03T03:58:00.001-08:00

1 – QUEIME DEPOIS DE LER – Nos cinemas - Um funcionário da CIA está escrevendo um livro sobre sua vida, mas perde o cd que guarda o conteúdo. Dois funcionários de uma academia encontram o objeto e tentam se aproveitar da descoberta. Com George Clooney e Brad Pitt.

2 – O HOMEM DE FERRO – Em DVD – O genial magnata Tony Stark sobrevive a um ataque inesperado em território inimigo e escapa depois de construir uma armadura de alta tecnologia. Quando descobre um nefasto plano com implicações mundiais, ele veste sua poderosa armadura e jura proteger o mundo como o Homem de Ferro. Com Robert Downey Jr e Gwyneth Paltrow

3 – WALL – E – Em DVD - Depois de milhares de solitários anos fazendo o que ele foi construído para fazer, o curioso e adorável Wall-e encontra uma nova razão para viver quando conhece uma robô de busca de alto design chamada Eva. Com o objetivo de repovoar a Terra, eles se aventuram pelo o universo.

4 – JOGO DE AMOR EM LAS VEGAS – Em DVD - Depois da noite mais insana de suas vidas, dois estranhos sem nada em comum, Jack e Joy, acordam em Las Vegas e descobrem que não apenas se deram bem... eles também estão casados! Com Cameron Diaz e Ashton Kutcher.

5 – O CHEIRO DO RALO – Em DVD - "O Cheiro do Ralo" conta a história de Lourenço, dono de uma loja que compra objetos usados. Aos poucos Lourenço acaba por desenvolver um jogo perverso com seus clientes, trocando a frieza pelo prazer que sente ao explorá-los, já que sempre atravessam um momento de dificuldade financeira. Com Selton Mello.

2009-03-03T03:35:00.000-08:00

Nessas férias estar com pessoas que você gosta é fundamental e para aquela hora de “vamos ver um filme” sempre bate a dúvida. Para não deixar você rodopiando na locadora. Abaixo segue uma lista de 5 filmes que vai garantir um ótimo entretenimento nas suas férias.

1 - A OUTRA – Romance - DVD – Com direção de Justin Chardwick e atuação de Natalie Portman e Scarlett Johanson. Uma fascinante e sensual história de intriga, romance e traição. Duas irmãs, Anne e Mary Bolena conduzidas pela ambição da família, na busca pelo poder e status, se envolvem em um jogo pelo amor e atenção do rei da Inglaterra. Assim, o que era para ser uma tentativa de ajuda à família transforma-se em uma cruel rivalidade entre irmãs.

2 – O NEVOEIRO – Terror - DVD – Adaptação do conto de Stephen King. Depois de uma violenta tempestade, David Drayton e seu filho de 8 anos correm para o mercado antes que os suprimentos se esgotem. Porém, um estranho nevoeiro toma conta da cidade, deixando David e um grupo de pessoas presos no mercado. Eles logo descobrem que o nevoeiro esconde algo sobrenatural e que sair do mercado pode ser fatal.

3 – CASAMENTO EM DOSE DUPLA – Comédia – DVD - Quando Noah Cooper é demitido de seu trabalho como terapeuta ele acha que seus dias não podem piorar. Mas, quando chega em casa, ele já esta cheio e vai à loucura quando Marilyn, mãe superprotetora de Noah chega com seus cinco cachorros na cidade, precisando de um lugar para ficar. A história piora quando Noah precisa lidar com a pressão de arrumar um novo emprego, uma esposa que quer desesperadamente um filho.

4- ENCURRALADOS – Ação – DVD - Neil e Abby Warner têm uma vida perfeita e um casamento perfeito. Com sua linda filha, Sophie, eles vivem o sonho americano. Porém, tudo muda quando Sophie é raptada e o casal se vê obrigado a obedecer todas as ordens do seqüestrador.

5 – O ORFANATO – Suspense – DVD - Mulher retorna ao orfanato onde cresceu para abrir uma casa para cuidar de crianças deficientes, mas a situação foge do controle quando seu filho começa a ter um misterioso amigo invisível.
Agora é só pegar a pipoca! Bom filme. Em breve mais indicações.

QUEIME DEPOIS DE LER

2008-12-29T11:16:00.000-08:00

Um cineasta quando realiza um trabalho e ganha reconhecimento do público, inclusive de crítica, é natural que seus próximos trabalhos sofram uma pressão natural que, a cada trabalho haja superação sobre outro. É natural também quando alguns cineastas ainda sobre essa pressão não conseguem se superar e muitas das vezes se destruir. Nesse meio, entre um mundo completamente renovador e pessoas que buscam novas referências, a reinvenção sempre será necessária.
Depois do denso e premiado “Onde os fracos não têm vez” os irmãos Coen estrategicamente voltam e criam mais uma vez o estupidamente divertido “Queime depois de ler”. Nada poderia ser melhor para atender as expectativas dos fãs da dupla, do que criar mais um filme que tira sarro das ignorantes atitudes da sociedade e a que isso é capaz de levar.
“Queime depois de ler” vem com uma narrativa que faz do “ridículo” sua premissa, é assinado pelos irmãos Coen e conta uma história sobre coisas inacreditáveis, imbecilidades, idiotices entre outros fatos que fazem os personagens da trama a tomarem atitudes ilógicas que ocasionam a reações completamente mais estúpidas.
A obra conta a história de um funcionário da CIA que está escrevendo o livro de sua vida, mas perde o CD que guarda o conteúdo. Dois funcionários de uma academia encontram o objeto e tentam se aproveitar da descoberta. Com uma trama um pouco barata os irmãos Coen ainda procuram satirizar com técnicas visuais dos filmes de espionagem e ridicularizam o estilo com as atitudes como os dois funcionários da academia, Chad (Brad Pitt) e Linda (Frances McDormand) quando encontram o CD do ex-agente da CIA com documentos que julgam valiosos para a Segurança Nacional e não conseguem pensar nada melhor do que vender aos russos (!).
Destaque para a atuação de Brad Pitt. Com um cabelo cheio de luzes e “tipão” metrosexual machão, o ator consegue convencer como Chad, um indivíduo que encara o mundo ao seu redor de forma vazia e estúpida. O esquizofrênico George Clooney abafado por Brad Pitt tira algumas risadas, assim como Frances McDormand. Destaque também para o sempre incrível John Malkovich e J.K Simmons que em suas pequenas aparições dão grande credibilidade ao ridículo proposto.
“Queime depois de ler” pode ter soado um pouco banal e estúpido como está escrito nas linhas acima, mas no seu caráter de representação e de seu próprio humor negro (característica sempre marcante dos Coen), é válido de repente pelo grito daquilo que estamos nos tornando, seja pelas coisas impensáveis da vida, seja pelo simples fato de que é bom ser idiota de vez em quando, mas sempre com um pouco de esperteza... porque o humor negro do cotidiano ainda poderá lhe custar a vida.

SOBRE O QUE ESTÁ ROLANDO

2008-12-29T11:05:00.000-08:00

Hoje vamos escrever um pouco sobre as produções que serão realizadas nos próximos anos, assim você perceberá que grande obras, ótimas refilmagens, continuações e filmes com propostas novas ao tema embarcam no meio cinematográfico.
A saga “Jogos Mortais” teve seu quinto filme recém lançado no cinema e já promete o sexto episódio da série. “Jogos Mortais 6” terá um novo diretor, o montador Kevin Greutert, segundo informações do site shocktillyoudrop.com. O site ainda revela que a atriz do sexto filme será escolhida através de um reality show intitulado Scream Queens, onde 10 atriz aspirantes ao filme encaram cobras, centenas de baratas e nadam em uma piscina de sangue. A produção ainda não tem data confirmada.
O diretor do último “A Fantástica Fábrica de Chocolates”, Tim Burton vai dar sua versão de “Alice no País das Maravilhas”. Segundo um dos atores do filme, Alan Rickman (A Lagarta da obra) informou ao site MoviesOnline que o filme é uma mistura de live-action, animação e stop motion. O ator Johnny Deep também estará no filme como “O chapeleiro Maluco”. Uma atriz australiana será a protagonista da versão de Tim Burton, a pouco conhecida Mia Wasikowska.
E no primeiro semestre de 2009, o mutante mais famoso da série X-men, Wolverine, terá seu próprio filme. Com direção de Gavin Hood o filme vai tratar do personagem-título antes de se juntar aos X-men. Wolverine ainda traz um dos integrantes do grupo Black Eyed Peas, o cantor e rapper Will.i.am no papel de John Wraight e Hugh Jackman ainda interpreta Wolverine.
O filme Crepúsculo já tem sua continuação com estréia. Em novembro de 2009, Lua Nova terá sua continuação com o diretor Chris Weitz da adaptação.
Em abril de 2009, Velozes e Furiosos 4 vem com toda sua ação e velocidade juntamente com os atores das primeiras franquias, Vin Diesel, Paul Walker e Michelle Rodriguez.
Depois da continuação de Sexta-feira 13 parte 11, o aterrorizante A Hora do Pesadelo 8 vai ser produzido também sem a direção de Wes Craven e o ator Robert Englund como Freddy Krueger. O filme quer voltar sem piadas, mas puro terror.
2009 promete puro entretenimento nas salas de cinema, muitas produções ainda prometem e conforme as novidades aparecem você vai poder conferir nessa coluna. Enquanto isso um Feliz Natal e um Ano Novo cheio de paz e muito cinema!

[REC]

2008-12-29T10:59:00.000-08:00

Quando descubro que um filme terá uma estratégia narrativa realizada como foi feito os incríveis “A Bruxa de Blair” ou “O olho que tudo vê” e até mesmo o fantástico “Cloverfield”, grande parte do filme já ganhou da minha parte grande empatia, mesmo porque todas essas histórias vêm com enredos totalmente ficcionais e se adéquam com perfeição à realidade. Seus estilos documentais e cenas construídas com o objetivo de serem “reais” assustam e conseguem tirar muitos calafrios do espectador.
E agora foi a vez do terror espanhol [REC] realizar o grande feito criado por “A Bruxa de Blair”. Ótima película que impressiona pelo seu ritmo, ótimas atuações, intenso, com uma edição de som bem realizada e completamente assustador.
O filme começa sem frescura, e apresenta a repórter Ângela (Manuela Velasco) realizando um programa chamado “Enquanto você dorme” que, em um corpo de bombeiros, realiza uma matéria sobre o cotidiano daqueles profissionais. Ansiosa que algo interessante aconteça, a jornalista se anima quando o alarme soa no local, e dali juntamente com seu cinegrafista, os bombeiros e policiais vão parar numa situação totalmente pavorosa.
Dirigido por Jaume Balagueró e Paco Plaza, [REC] acontece sempre pelo olhar do cinegrafista (que nunca aparece) da jornalista, e com essa abordagem visual [REC] coloca o espectador como mais um integrante daquela história, tornando-a assim mais assustadora. Escrito pelos diretores e também por Luis Berdejo, o roteiro abusa do realismo para desenvolver a narrativa e, para isso, não usa nenhuma trilha sonora, descarta o uso de cortes especiais, apenas sons naturais de tudo que rodeia os personagens. O som em [REC] é tratado de maneira específica para parecer que tudo é captado pelo microfone da câmera do cinegrafista. A fotografia também possui papel importante. Realizado por Pablo Rosso, utiliza o foco de luz da câmera a manter os pontos mais assustadores do filme, a fim de revelar a expressão de horror dos personagens. É incrível a utlização do sistema “night shot”(visão noturna) que revela um dos pontos mais assustadores da trama.
Não dá para não falar do elenco de [REC], Balagueró e Plaza, conseguem de forma incrível revelar os personagens de forma muito criativa e com ótimas atuações, destaque na cena do morador César (Carlos Lasarte) que penteia os cabelos sem saber que está sendo gravado, flerta com o cinegrafista e se preocupa com a oleosidade de sua pele. Destaque também para a enérgica e intensa jornalista que busca defender com todas as forças sua matéria, independente do grau do risco em que se encontra.
[REC], por mais que utilize recursos já clichês nesse estilo narrativo, se sobressai por suas características peculiares, e mesmo que re-invente uma história a la George Romero (A volta dos mortos vivos) consegue assustar e encantar o espectador porque faz pensar na realidade da situação, que aquelas pessoas, são reais e os monstros também. É mais um grito em forma de desespero dos indivíduos que pelo medo se transformam defensores da sobrevivência, ou monstros cheios de fúria e fome.

RINGU

2008-12-08T08:59:00.000-08:00

Uma misteriosa fita de vídeo que, ao ser assistida, lança uma terrível maldição em seus espectadores, que morrem exatamente sete dias depois. Esta é a idéia principal de Ringu, filme do diretor Hideo Nakata que jamais esperou o que significaria sua obra para o cinema japonês no gênero terror.
Nakata criou um filme nada ousado, mas muito efetivo, tanto é que cinco anos mais tarde foi testemunha de ver sua obra sendo refilmada (O Chamado I e II) nos Estados Unidos pelo diretor de A Mexicana e o Ratinho Encrenqueiro, Gore Verbinski. Mas com uma idéia tão batida, quem sabe as vezes até “hollywoodiana”, como Ringu teve grande sucesso no Japão e contribuiu tanto para o cinema japonês? Aqui entra a questão não o que se escreve, mas como se escreve. A idéia de Ringu pode até ser clichê, mas a maneira que Hideo Nakata constrói a narrativa, é que soa original.
Uma interessante história sobre uma fita de vídeo que, ao ser assistida, lançava uma terrível maldição em seus espectadores, que morriam exatamente sete dias depois. É então que uma jornalista resolve investigar o caso e, sem acreditar muito na lenda, acaba assistindo ao vídeo – somente para descobrir, logo em seguida, que a tal praga é real. Desesperada, ela pede a ajuda do ex-marido para que, juntos, consigam descobrir uma forma de cancelar a maldição antes que esta provoque sua morte.
O filme de terror atmosférico de Hideo Nakata não desilude de forma alguma. É uma história de terror contada sutilmente, sem estilizações, mas com uma eficácia narrativa e visual absolutamente desarmante. A trilha sonora é construída adequadamente ao estilo atmosférico do filme, um cruzamento de pessoas gemendo, com barulhos e chiadeiras de metais e água escorrendo, muito bem trabalhada. A sua atmosférica opressiva, lenta e cuidadosamente criada pelo diretor, minuciosamente, suga o espectador, deixando-o sem ações durante a trama toda do filme.
A metalinguagem utilizada por Nakata na narrativa, a maneira de agregar à sua história uma certa impiedade bem realista em relação a idéia do filme, a medida que o filme lança lentamente ao espectador a razão da maldição existente na fita, das origens, casualidades. O diretor não se preocupa apenas em mostrar esses mistérios, mas os mistérios existentes na relação entre os personagens. A jornalista por exemplo, acaba criando uma relação um tanto fria com a maioria dos personagens que aparecem ao decorrer da trama. Hideo Nakata trabalha tão bem e com tanta sutileza esse relacionamento que no filme, representado pelos figurantes, as pessoas que andam pela cidade, no mundo moderno do Japão, estão sempre correndo, estressadas, esbarrando uma nas outras, sem a tradição que os ocidentais estão acostumados a se deparar, mesmo na cena em que a jornalista vai para a casa do pai de Sadako (a garotinha que sai do poço) a casa no estilo oriental, que perde sua tradição para o mundo moderno. As personagens que aparecem não criam quase algum laço emocional e Nakata faz questão de ser frio nesse aspecto, deixando a entender para o espectador que tudo e todo acontecimento misterioso está relacionado à maldição da fita.
Ringu passa na tela de uma forma tão misteriosa que não conseguimos igualar a um filme hollywoodiano que escancara o terror na cara dos espectadores, razão que Nakata mostra ao mundo que o maior terror e o maior medo é feito de sutilezas. Ringu não é um filme para a massa, mesmo por que a massa não se diverte com sutilezas. E também não deixa de ser um filme de horror, pela proximidade de que Nakata cria com seus personagens, a vertente de filmar um envolvimento que passa na mente de seus personagens, que chega ao fim de alguma forma trágica, e bastante esperançosa. A maldição pode ser fatal, mas o ser humano é mais forte e inteligente que isto.
Ringu sobretudo se tornou emblemático, ao ponto de se tornar um marco no cinema de gênero terror, responsável por criar um novo estilo, suscitando uma nova formada de filmes de horror asiático. O intento de Hideo Nakata é fugir das regras do cinema ocidental, com o objetivo de entreter o espectador, não preocupado com momentos de suspense e terror, mas preocupado em envolver-se com a angústia junto aos personagens que procuram a solução para tal maldição. Nakata foge do tradicional, a construção do horror se resume a momentos de espera para um assassinato ou morte, seguido por uma trilha sinistra, que serve apenas para um pulo na poltrona. A função de Ringu é criar tal atmosfera para capturar e torturar o espectador durante o filme todo.
O cinema ocidental finalmente despertou para olhar outras vertentes, até mesmo os próprios espectadores, causalidade de um tempo que se esgotou dos clichês e das mesmices. Os gêneros cinematográficos tornaram-se cansativos, os espectadores alienados por um cinema cheio de regras. O cinema asiático tem lutado muito contra essas regras, dando margem para a verdadeira expressão e criação da arte. Pena a força maior ainda estar com a grande potência ocidental, mas o começo já é uma maravilha. O cinema mundial atual foi jogado para o fundo de um poço sem luz, massacrado pelos clichês que copiam a mesma fórmula de se fazer cinema, mas sempre há aqueles que fazem cinema, diferenciando a melhor forma de se expressar, saindo vagarosamente do fundo, e lentamente, da tela de cinema ou da própria televisão “atacar” os mais profundos sentimentos do espectador, representando sempre bem a melhor forma da criação.

OS EXCÊNTRICOS TENENBAUMS

2008-12-08T08:55:00.000-08:00

O gênero comédia sempre foi um pouco criticado por certas pessoas e adorado por outras. Sempre dividiu muita gente. Só que nos tempos de hoje, esse gênero tem agregado muito ao simples fato de rir e se tornado um gênero com muitos gêneros. É a comédia romântica, a “pastelão”, terror, dramática, ação, trágica, de guetos ou rappers, etc.
Agora, quando assisti Os Excêntricos Tenenbaums, descobri um gênero de comédia mais séria, um pouco mais depressiva e melancólica, pode-se dizer que chega a ser um pouco dramática. Você pode até perguntar. É possível? Sim. Depois de Os Excêntricos Tenenbaums o famoso estilo “rir da desgraça e dos problemas das pessoas” tem enchido muitas salas de cinema.
Produção realizada em 2001, Os Excêntricos Tenenbaums é um filme que mostra todos os personagens como pessoas com graves problemas de relacionamento e muitos deles vivendo constantemente deprimidos, e por incrível que pareça, há graça nisso. Certo que há momentos em que o espectador fica na dúvida se é pra rir ou chorar, mas o charme está aí.
O filme conta a história de Royal Tenenbaum (Gene Hackman), pai de uma família que carrega um sério problema de relacionamento. Royal após ficar afastado durante anos da família, procura voltar para perto da família e reconquistar os três filhos e a ex-esposa (Angelica Huston), que está para casar com o contador (Danny Glover) que acompanha a família há tempos. Royal então começa a inventar várias mentiras como forma de aproximar-se da família, aí começa o problema. Os três filhos de Royal agora se preocupam com os próprios problemas.
Margot (Gwyneth Paltrow), filha adotiva da família, tornou-se uma mulher depressiva e guarda vários segredos dos parentes e inclusive do seu marido. Richie (Luke Wilson) alimenta um amor secreto por sua irmã adotiva Margot. Chas (Ben Stiller) vira um homem obcecado pela segurança de seus dois filhos, após perder a esposa.
Dirigido por Wes Anderson que também assina o roteiro junto com Owen Wilson (irmão de Luke Wilson), Os Excêntricos Tenenbaums demonstra um certo cuidado ao desenvolver os personagens da trama desde o início do filme, porque já nos créditos iniciais o perfil de cada um é contado como a história de um livro ilustrado. Interessante, porque percebe-se que cada personagem já publicou alguma obra e isso mostra que cada um possui opiniões próprias e lidam como visão de mundo, o que reflete e dificulta mais ainda o relacionamento entre eles.
Não dá para não notar a atuação incrível dos atores. Wes Anderson abusa de planos e tomadas que realçam a expressão de cada personagem, é incrível os planos em que Anderson encara os atores nos olhos, mostrando que cada personagem não tem medo, não se preocupa e se orgulha com o julgamento do espectador.
Vale a pena notar Os Excêntricos Tenenbaums, por um novo gênero de comédia e pela discussão de sentimentos que o filme revela, a confusão de sentimentos que a história revela, ilumina o simpático mau caráter e esconde a beleza do puro sentimento, é divertido julgar essa confusão, afinal pode-se tornar como exercício para vida ou até mesmo uma maneira divertida de rir-se e descobrir que existe uma forma diferente de achar graça dos problemas e que a vida não vai cair por isso.

HANCOCK

2008-12-08T08:50:00.000-08:00

Chegou nas locadoras este mês, o divertido Hancock. Um super-herói solitário, depressivo, amargurado e alcoólatra, tudo originário dos constantes prejuízos causados aos moradores e a própria cidade que supostamente protege. Este é um argumento diferente e interessante ao se tratar de um filme de super-heróis, inclusive sobre qualquer gênero de narrativa. O filme diverte, mas o diretor Peter Berg realmente decepciona por não conseguir conduzir a história de Hancock na inter-relação entre os gêneros, ou seja não rende um interessante enredo trágico-cômico. Torna-se um filme que não acrescenta muita coisa, apenas o puro entretenimento.
Assinado também por Vince Gilligan (conhecido por escrever a famosa série Arquivo X) e por Vincent Ngo, trazem Will Smith como Hancock, o cômico herói que perambula como mendigo, lutando diariamente com o fardo que carrega por ser o único de sua espécie. Hancock já desistiu de buscar a compreender de onde veio e de alguma forma tentar agradar quem quer que seja. Cansado da responsabilidade de ter que “salvar o dia da cidade” ele se entrega a tarefa de herói com descaso, o que gera um desastre ainda maior a cidade. No meio dessa confusão toda, surge o caráter e talentoso Will Smith (Hancock) que consegue construir um personagem completamente expressivo, desde o sujeito derrotado, mal humorado e melancólico ao herói que busca receber o carinho da população numa expressão gélida, mas que permite ao espectador sentir um traço de emoção por baixo da couraça de depressão que carrega aquele personagem.
É cômico quando entra em cena o relações-públicas Ray Embrey (Jason Bateman) que resolve adotar Hancock e torná-lo um super herói digno de ser amado. É uma pena ver um ator com grande talento como Bateman fazer um papel do puro sentimento e bonzinho homem de família, não exigindo suas qualidades como ator. É triste também ver a maravilhosa Charlize Theron em um papel que apenas exige olhares preocupados em um close, sua beleza esta incrível em Hancock, mas o próprio papel de dona de casa desesperada não permite utilizar seus poderes como atriz.
Como já foi dito, é uma pena que Hancock poderia funcionar como filme consistente, mas Peter Berg não consegue, imaginar o quão dolorosa seria a história de Hancock, e a felicidade de encontrar alguém que pudesse reconstruir e reescrever sua vida. Descobrir que Hancock é um super herói onde a sociedade é sua força e a fraqueza ao mesmo tempo (é diferente com a gente?), isso são fatos que se bem desenvolvidos e bem escritos não tornariam Hancock apenas um filme divertido, mas sim uma maneira bastante criativa de rir e chorar de si mesmo e da própria sociedade.

MIGRAÇÃO ALADA

2008-11-19T09:04:00.000-08:00

Indicado ao Oscar de Melhor Documentário em 2003, Migração Alada teve a sua indicação metralhada pelo diretor Michael Moore por Tiros em Columbine e a poesia visual do diretor francês Jacques Perrin acabou migrando para alguns cinemas e logo as prateleiras de documentário das locadoras. O intento do filme não se resume apenas a isso, se resume nos diversos vôos e migrações que o filme realiza através do gênero documentário.
Jacques Perrin não assina a direção sozinho. Jacques Cluzaud, Michael Debats, Francês Roux e Guy Jarry também testemunham uma grande variedade de pássaros durante sua migração que atravessam 40 países e 7 continentes. Para estabelecer as inserções dessa migração, através de balões, planadores, helicópteros e aviões, uma equipe de 450 pessoas, 17 pilotos e 14 câmeras voam em frente, ao lado, abaixo, acima e atrás dos pássaros, a fim de construir um maravilhoso documentário visual.
Por mais que Migração Alada levante o questionamento da imagem-real e da imagem-ficção ao espectador, logo na abertura o filme trata de informar que as imagens foram captadas sem efeitos especiais, o argumento não serve como resposta, mas o próprio documentário convence o espectador de que a natureza precisa ser documentada de forma representar não como ela é, mas o que é. O efeito de deslumbramento constante é o que busca o filme, sem perder sua narrativa direta, o documentário revela o mundo natural para o olhar do espectador, mostrando a beleza que o próprio homem-espectador desconhece, razão essa que Migração Alada inicia o filme com a interação de uma criança com os pássaros, o lidar da inocência com um mundo novo e deslumbrante, um espectador que se maravilha com a primeira luz, as primeiras descobertas e as primeiras lições.
A ausência do narrador onipresente (técnica comum utilizada em documentários) faz com que o próprio espectador se interesse pela narrativa escolhida e interaja com maior força com o filme. O próprio Perrin e seus co-diretores não queriam deixar uma hora e meia de pássaros voando na tela, por isso o argumento da migração para criar uma dramatização no documentário que começa num ponto de partida: o deslocamento dos pássaros para o Norte na estação da Primavera e a promessa da volta, a migração na estação do Outono. A narrativa se torna um círculo, e a linguagem se torna claramente dramática, caso que é representado no início quando a criança retira das redes um pássaro preso, e esse ao levantar vôo, leva consigo um pedaço da rede presa à pata e é reconhecido em outros momentos do filme por estar trazendo de volta o mesmo resquício da rede.
A própria necessidade de tornar humano a relação e a vivência dos animais é um “golpe” aplicado para gerar a atenção do público e o filme acaba ganhando um interesse maior durante a narrativa, a necessidade do cinema documentário se tornar transparente, como o próprio estilo hollywoodiano. Cenas como o plano de uma arara azul que consegue libertar-se da gaiola, motivo por qual o espectador “torce” pela liberdade da ave; o macaco que “tristemente” desiste de lutar e com uma expressão “humana” demonstra seu fracasso. Tem-se também o pássaro com a asa quebrada que cercado por siris torna-se vítima indefesa, motivos que leva a ignorante inocência-espectador refletir e a se deslumbrar.
Migração Alada é um ótimo filme-documentário como forma de conhecimento e entretenimento, poucos ainda conseguem se reinventar de forma tão real ou tal como é. Muitos documentários ganham seus prêmios a fim de mostrar algo na história que já possui sua dramaticidade, difícil é criar um documentário que demonstre da natureza seu próprio drama e sua própria beleza.

ENSAIO SOBRE A CEGUEIRA

2008-11-19T08:53:00.000-08:00

Em um dia qualquer, em tal hora, em tal lugar, um homem no movimento de uma cidade grande aguarda o semáforo mudar para a cor verde, mas tal mudança não acontece, ele ficou cego.
Assim começa o magnífico livro “Ensaio sobre a cegueira” de José Saramago mais uma obra que seduz o cineasta Fernando Meirelles, que, sempre gostou de fazer adaptações literárias, grande diretor marcado por narrativas político-sociais que permeiam seu cinema, do divertido e engraçado “Domésticas”, o chocante e impactante “Cidade de Deus” e o primeiro “oscarizável” de suas obras, o fabuloso “O Jardineiro Fiel”. Assinado também por Don McKellar , a adaptação “Ensaio sobre a cegueira” busca representar mais uma discussão sobre o rumo de uma sociedade moderna e globalizada e o rumo que esta vem tomando. Este combate utópico mergulha em um mundo completamente atemporal e caótico, as placas dos carros são brasileiras, pessoas falam em inglês, o locutor de rádio em português. O espectador se depara com imagens de São Paulo, outras do Japão e até do Canadá, representados nesse novo mundo globalizado e pequeno, onde todos se conhecem e ao mesmo tempo distanciam-se da própria condição humana e aproximam-se do instinto básico animal.
“Ensaio sobre a cegueira” procura discutir o fato de que as pessoas antes de perderem a visão, já viviam completamente “cegas” perante o mundo em que vivem. Onde a cura para a tal “cegueira branca” só estaria na re- socialização da humanidade, no ato de reconhecer que dependemos dos outros e necessitamos enxergar o próximo. Para isso, é interessante a lógica que a narrativa busca retratar, assim como no livro, as pessoas não tem nome e são identificados apenas pelas profissões ou características mais marcantes, exemplos como “O médico”, “A mulher do médico” “O garoto estrábico”. E não é assim que definimos no nosso mundo as pessoas que nos cercam? As vezes de forma injusta e até pejorativa?
Meirelles conduz sua obra de forma inteligente, junto com seu elenco busca desenvolver com maestria os personagens criados por Saramago. Por exemplo a maravilhosa Juliane Moore, representa “A mulher do médico”, dona-de-casa entediada, com grande atuação Moore representa tal marasmo, com apenas um olhar distante e um simples gole de vinho, e ao longo da história “A mulher do médico” vai se tornando uma personagem mais complexa, ainda mais que ela vira peça fundamental não só da vida de seu marido como a de um grupo de pessoas. Assim como, Gael Garcia Bernal, “o Rei da Camarata 3” consegue se tornar asqueroso e cômico ao mesmo tempo, destaque para o momento em que imita o cantor Stevie Wonder.
O visual do filme também merece destaque. A direção de fotografia de César Charlone, investe numa câmera totalmente oscilante, planos que cortam os personagens e cenários pela metade. O ar de brancura e frieza existente em toda projeção colocando ou aproximando o espectador a própria “cegueira branca”.
“Ensaio sobre a cegueira” tem em todo seu aspecto fatores representativos, cenas que chocam e ao mesmo tempo nos comove pelo simples fato de estarmos inseridos no mesmo contexto do filme. Se estamos irritados pelo fato de que alguém atrapalha o seu filme por conversar, ou até mesmo alguém que passeia pelo cinema. De repente um estado de “cegueira branca” é necessária, se estamos em um mundo que nos coloca dependentes de qualquer um, não é cor, sexo, opção sexual ou condição social que nos afasta, é simplesmente a ignorância de um pano branco que paira sobre os olhos de uma sociedade que não quer ver que tolerância e amor é o melhor meio de seguirmos em frente, sempre juntos.

AMARELO CINEMA QUE PULSA

2008-11-19T08:11:00.000-08:00

Amarelo Manga, produção brasileira de 2003, do pernambucano Cláudio de Assis, particularmente, tem sido um dos filmes mais arrebatadores, chocantes e realistas já inventado ou produzido no cinema brasileiro. Difícil, é ver, e até mesmo falar de Amarelo Manga, ora por não querermos enfrentar a situação real da condição humana, ora por não aceitar que vivemos nesta real situação, na sociedade conturbada, doentia, mesquinha, dilacerada, pobre e contraditória como a do Brasil. Adjetivos que resumem a ideologia da desconcertante e incômoda obra de Cláudio de Assis.
Com um tributo à cidade de Recife, Amarelo Manga, explicita a situação da condição humana, através de histórias que se entrelaçam de forma inteligente e dinâmica fazendo o espectador se remoer e rever suas crenças, valores e opiniões que surgem durante a narrativa, através das atitudes das pessoas, nessa multifacetada discussão social.
Lígia (Leona Cavalli), mora e trabalha em um bar chamado Avenida, sua vida cotidiana se resume em acordar e já ir direto ao trabalho, todos os dias são iguais, até mesmo as reclamações. Sua relação com o próprio corpo não possui restrições, está sempre a mostra, celebra o corpo, mas o interdita a posse e não aceita as provocações feita por seus clientes do bar.
Isaac (Jonas Bloch) é um dinamarquês-brasileiro envolvido com o tráfico de drogas e está sempre a busca e negociando cadáveres para satisfazer um próprio fetiche, atirar em corpos em decomposição.
Kika (Dira Paes), uma evangélica que está sempre escondendo seu corpo e preocupada com comentários do próximo, acaba servindo de “chacota” para sua vizinhança, justamente por ser casada com um mulherengo que trabalha em um matadouro.
Wellington “O Kanibal” (Chico Diaz) é o marido mulherengo de Kika que trabalha no matadouro, possui uma amante para satisfazer seus desejos sexuais, relação que não possui com Kika.
Trabalhando e morando em um hotel, Dunga (Matheus Nachtergaele), é um homossexual, que deseja tanto no amor, quanto no sexo, o Kanibal. É capaz de fazer qualquer coisa para possuir mulherengo.
Esteticamente, o filme se apodera de uma linguagem visual que representa a relação social dos indivíduos criados a partir das possibilidades do mundo real. Amarelo Manga nos questiona se fazemos parte do mundo proposto, vivendo cada momento, mesmo que muito repugnante. Traição, religião, discussão de gênero, tudo se escancara frente à tela, como um tapa de mão cheia no rosto do espectador. Mesmo porque, o mais forte da obra está representado numa linguagem carnal, animal, sanguíneo seja qual for o sentido das suas significações. Personagens se inserem num círculo, numa dimensão, num cenário de desejo, que os tornam determinados a lutarem seja de qual forma for por sua ambição. Individualismo combativo marcado justamente pelo desejo, desejo da carne, do sangue, que serve de guia para a determinação. Personagens guiados pela paixão, que penetram, num plano de armadilhas e vinganças, de uma busca avassaladora pelo desejo e pela felicidade.
Amarelo Manga sempre se representa numa relação primitiva e individualista de cada personagem, através de uma filosofia trágica onde o homem transita como um animal degenerado que vaga sobre o pasto em direção a seu matadouro, com sua marca de sangue que o impede à felicidade e seu principal objetivo, o desejo.
O próprio diretor Cláudio Assis afirma: "quero fazer um cinema que mostre o povo, o seu lado mais marginal, o submundo. Não quero fazer filmes limpinhos nem filmar o sertão com gente bem vestida. O nosso povo não é assim".
Felizmente Amarelo Manga vem propondo ao cinema nacional, a característica da ideologia, a realidade e sua própria estética. Assim, os indivíduos são capazes de aprender, e até mesmo de entender e a aceitar a cultura, os costumes, as crenças,e que, a maldade, a contradição e a própria condição humana pode estar presente na vida de qualquer outro indivíduo que faça parte do universo.
Amarelo Manga, como foi dito é um filme difícil de se falar e de entender ou seja, de aceitar a própria realidade, que realmente vivemos na própria órbita de um amarelo manga, vivo e pulsante, quem sabe da cor do ouro, cor que reluzirá apenas no momento em que curarmos o amarelo das feridas purulentas, doentio e sarcástico.

BEM VINDO A CIDADE DOS CACHORROS

2008-10-30T05:00:00.000-07:00

Provando que é um diretor talentoso e criativo, ou quem sabe muito mais do que isso, Lars von Trier, depois de Dançando no Escuro realiza o brilhante e o fascinante de Dogville, no qual utiliza um recurso que não se afasta muito das limitações que havia determinado com o Dogma 95, apenas o uso de luz ambiente, a proibição do emprego de trilha sonora, entre outros oito pontos de proibições para técnica cinematográfica. E com Dogville, Lars von Trier resolveu ousar mais ainda e baniu quase todos os cenários do filme, caracterizando e representando a cidade de Dogville a uma série de traços no chão e poucos objetos de cena.
Situada durante a Grande Depressão Americana dos anos 30, a história gira em torno de Grace (Nicole Kidman), uma jovem que, depois de fugir de perigosos mafiosos, vai parar na minúscula Dogville, que possui pouco mais de uma dezena de residentes. Encantado com a moça, o introspectivo Tom (Paul Bettany) propõe que a cidade ofereça abrigo a Grace, que, em troca, faria pequenos serviços para seus moradores. Aos poucos, porém, os aparentemente pacatos habitantes de Dogville vão exibindo um lado sombrio e passam a explorar a garota, que, impedida de abandonar o lugar, se descobre em uma prisão capaz de lhe causar mais sofrimentos do que os próprios gângsters.
Dogville estranha pela imposição dos cenários atípicos. Sua ausência cria um novo estilo de se ver cinema, um cinema mais teatral de Lars von Trier, surgindo um novo recurso simplesmente genial, que afasta a própria cidade, os personagens e o espectador para um local isolado de tudo e realça o sentimento de isolamento, que bloqueia qualquer intervenção externa. Dogville assume uma vontade própria, que se recria na mente de cada espectador, Lars von Trier dá essa liberdade e anula sua influência sobre o filme.
Os segredos na cidade pequena de Dogville são impossíveis de ser guardados, porque todos os personagens estão sujeitos e vulneráveis pela maldade sutil existente em cada um. O objetivo principal do diretor é focalizar a total exposição dos personagens e com grande criatividade Lars von Trier não permite que vejamos o lado sombrio dos moradores daquela cidade e surpreende a audiência quando se deparam com as crueldades realizadas com Grace, identificando ao espectador de que até o ser humano mais inofensivo pode ter atitudes contraditórias e ameaçadoras.
A protagonista, Grace, é um exemplo completamente contraditório dos moradores da cidade, ingênua, acredita sempre na bondade das pessoas e se essas possuem atitudes sombrias, é justamente por causa do medo existente em cada um. O espectador pode até pensar que a atitude de Grace no final do filme é devido aos maltratos de Dogville, mas Grace não conter sua própria crueldade, não é fruto dos abusos, mas sim do desgosto de ver sua bondade e seu otimismo destruído por suas experiências. A irônica conclusão do filme é impiedosa, revela muito, mas não apenas sobre Grace e os moradores de Dogville, mas principalmente sobre o espectador e seu sentimento ao desfecho da obra.
Lars von Trier realmente nos mostra que somos seres contraditórios, hedonistas e insatisfeitos, as vezes pelo próprio medo, buscamos a melhor e a pior forma de satisfazer nossos desejos, independente de quem ou com quem que da mesma forma busca o incessante egoísmo do prazer. Somos o pior e o melhor ser humano existente no mundo. Para o mundo, somos o pior.

SEMPRE... AS HORAS.

2008-10-20T09:59:00.000-07:00

“Encarar a vida pela frente... Sempre. Encarar a vida pela frente, e vê-la como ela é. Por fim entendê-la e amá-la pelo que ela é. E depois deixá-la seguir... Sempre os anos entre nós, sempre os anos... Sempre o amor. Sempre a razão. Sempre o tempo... Sempre... As horas.” Virginia Woolf.

Em 2002, o diretor Stephen Daldry realizou o denso e notável filme “As Horas”. Adaptação do premiado livro de Michael Cunningham, “As Horas” nos revela o retrato sofrido de três mulheres em diferentes épocas que, apesar de estarem em gerações diferentes, possuem características comuns em suas visões de mundo, assim como uma curiosa ligação com um livro: o romance “Sra. Dolloway” da escritora inglesa Virginia Woolf. O roteiro desta produção é assinado com grande sensibilidade por David Hare que inicia o enredo com Virginia Woolf (Nicole Kidman) em 1923, escrevendo sua obra literária “Sra. Dolloway”, enquanto tenta se acostumar na pequena cidade em que seu marido a obrigara morar para tratar dos graves problemas psicológicos durante o período em que residia em Londres. Paralelamente, em 1951 Laura Brown (Juliane Moore), perfeita mulher de família, lê a obra escrita por Virginia enquanto tenta lidar com o sofrimento da infelicidade de viver com seu filho de 5 anos e o marido. E em 2001 nos deparamos com a versão moderna da personagem de Woolf, Clarissa Vaughan (Meryl Streep) que prepara uma festa ao amigo Richard (Ed Harris) que, HIV positivo, está sendo homenageado pelo sucesso de seu livro.
Três mulheres que escondem o sofrimento e a dor de enfrentar um dia, o motivo, o roteiro procura não explicar ao espectador, mas não tem necessidade. “As Horas” se concentra na maneira que estas mulheres lidam com os sentimentos, sem compreender exatamente o que as aflige. Virginia é uma mulher contraditória que, luta e defende suas atitudes, mas ao mesmo tempo teme ser julgada pelos criados da casa.
Clarissa Vaughan é uma mulher inteligente que demonstra força e independência, mas revela-se uma mulher vulnerável, questiona sua própria vida pelo fato de estar vivendo com sua parceira e ao mesmo tempo doar-se ao amigo doente que procura demonstrar a Clarissa a necessária forma de não viver pelos outros.
Por outro lado, numa época dominada pela obsessão da “família perfeita americana”, Laura Brown precisa lidar com sua depressão para assumir o papel de mulher e dona de casa perfeita. Uma mulher que tem seus sonhos sufocados pela vida de aparências que assumiu, culpada pela ingratidão à família, demonstra seu carinho através de atitudes totalmente artificiais como o momento em que ela e o filho resolvem fazer um bolo para o pai para que assim amasse sua família.
Em seus aspectos técnicos “As Horas” é conduzido com maestria pela edição de Peter Boyle. Sensível e elegante é maravilhoso como as cenas das diferentes épocas se entrelaçam sem destoarem da fotografia proposta a cada geração. Também não dá para não falar da direção de fotografia de Seamus McGarvey que encanta o olhar do espectador em um anestésico e paradoxal sentimento que acalenta e adoece ao mesmo tempo, acompanhado pela bela e melancólica trilha sonora de Philip Glass.
Sensibilidade é o que define “As Horas”, seja pela atuação ou pela condução do filme. Assim como o livro, o filme cinematiza e interliga os sentimentos de mulheres que procuram encarar a vida pela frente e procuram entendê-la como ela é, independente amá-la. As horas sempre vão parecer intermináveis, mas é preciso enfrentá-las seja pelo tempo, amor ou razão.

UMA CIDADE CHEIA DE SONHOS

2008-10-14T11:46:00.000-07:00

Sempre gostei de analisar a expressão das pessoas no cinema depois que um filme termina. As luzes se acendem e lá estão novos indivíduos que amaram ou odiaram a projeção passada, pensando se valia ou não a pena ter gastado dinheiro e passado duas horas sentado. É melhor também quando você pega um filme que procura fugir de todo o padrão hollywoodiano e comercial, quebra a narrativa tradicional e foge dos padrões acostumados pela massa. Esses geralmente são os mais detestados pelo público.
É por isso que sempre digo às pessoas não julgarem um filme a primeiro momento, se você não entender, duvide e assista ao filme novamente, sua percepção vai mudar. Acredito que aí está o bom cinema também, que o faz pensar, interpretar e o leva a visões completamente diferentes das que você já teve. Condenar aquilo que não entende é errado, antes de julgar aprenda a olhar e maravilhe-se, porque existem muitas pessoas querendo falar da vida, e quando se foge da tradicional forma de se contar historinhas, essa arte ganha um pouco mais de graça.
Para exemplificar um pouco disso, hoje indico a vocês Cidade dos Sonhos (Mulholland Drive) de David Lynch. Vocês já devem ter ouvido falar desse diretor, se não, pelo menos já assistiram alguma obra desse maravilhoso artista. David Lynch é o consagrado criador do seriado de sucesso Twin Peaks, que contava o mistério do assassinato de Laura Palmer. Também dirigiu outras obras primas como “Coração Selvagem” (Wild Hearts), “A Estrada Perdida” (Lost Highway) e o “O Diabo Veste Azul” (Blue Velvet) entre outras.
Voltando ao filme proposto, vamos falar de “Cidade dos Sonhos”. É um filme complexo, sim, mas não incompreensível. Muitas pessoas não tem percebido a magia criada por Lynch nessa obra, mesmo porque nos dias de hoje, a maior parte das produções cinematográficas não tem exigido muito de seus expectadores, tudo soa simples e auto-explicativo, os filmes pensam por nós e tudo explode com cenas espetaculares que enchem nossos olhos, anestesiando o poder crítico dos espectadores.
Roteirizado e dirigido pelo próprio Lynch, “Cidade dos Sonhos” é uma produção extraordinária e muito bem realizada, ou quem sabe apenas o que Lynch sempre desejou: cinema puro, baseado na manipulação sutil de som, imagem e atuação. O diretor consegue, contar uma história comovente, com uma estrutura narrativa totalmente entrelaçada e criativa.
Tudo começa como uma história comum. Uma mulher misteriosa (Laura Elena Harring) que acaba sendo vítima de um atentado enquanto anda de limousine na Mulholland Drive (nome de uma estrada em Hollywood), mas um acidente com um carro em alta velocidade a salva da morte. No entanto, ela não escapa de uma amnésia, e vai parar no apartamento da tia de Betty (Naomi Watts), uma aspirante à atriz, de quem fica amiga e, depois, amante. Paralelamente, se conta a história de Adam Keshner, diretor de cinema que se envolve com a máfia italiana ao ver que seu filme não sairá como quer, devido à escolha impositiva da máfia de escalar uma modelo desconhecida chamada Camilla Rhodes. Há também a história de um homem que vê monstros atrás de lanchonetes, de um Clube chamado “Silêncio”, de uma caixinha azul e uma chave misteriosa.
Como se trata de um trabalho de David Lynch a trama de Cidade dos Sonhos ao seu decorrer se torna complexa, e a forma que o diretor a desenvolve se torna mais ainda, porque utiliza diversos tipos de narrativa, inserindo cenas sem nexo, flashbacks, sonhos, delírios e até mesmo cenas fora de sua ordem cronológica que aparecem sem avisos, o que acaba brincando com a percepção do espectador, fazendo-o buscar suas próprias referências para a compreensão, ainda mais quando o filme chega aos seus vinte minutos finais, o espectador completamente se perde e precisa re-organizar sua mente para compreender o que realmente aconteceu, a trama muda totalmente de sentido.
“Cidade dos Sonhos” é um filme que não se deve deixar de assistir, por mais complexo que ele possa soar, é um perfeito exercício de lógica. Com certeza você vai encontrar uma experiência completamente diferente daquela que existe ao assistir filmes comuns. O que se é acostumado ver, acostumado se é compreender. Lynch teve noção disso e da melhor forma nos demonstra neste filme que é necessário sair do tradicional para que possamos compreender seja em nossa realidade, ou numa cidade cheia de sonhos.

VAMOS FALAR DE CINEMA

2008-10-07T04:51:00.000-07:00

Quando se planeja escrever sobre algo que você tem paixão, pensa-se em organizar todo o turbilhão de idéias que isso lhe proporciona para não faltar nada e não ter que voltar atrás, buscar o esquecido e começar tudo novamente a partir de outra idéia. Também faz-se planos da melhor maneira de escrever, qual a melhor forma, qual delas oferece melhor compreensão, a mais resumida ou mais completa, afinal é sobre uma paixão que estamos falando, e esta no meu caso, é o cinema.
Começo este espaço com a pergunta “aonde quero chegar com esta paixão?” O cinema tem sido isso há muitos anos. Quando ingressei na faculdade de Publicidade e Propaganda em Foz do Iguaçu no ano 2000 me perguntei, se eu gostava tanto de cinema porque fazer uma faculdade de propaganda? Mesmo assim fiz. Ainda no início do curso tive a oportunidade de fazer uma atividade extracurricular em Direção de Cinema e lembro do cineasta Percy Tamplin dizendo: “Se você descobre que um filme é bom na primeira cena, acredite, você já é apaixonado pelo cinema.”
E ele disse isso não porque soa como regra de se descobrir bons filmes, mas sim porque ele sabia que em um mundo mágico como o cinema, independente de cenas, não precisa fazer muita coisa para te cativar.
Acreditando nisso virei cinéfilo de carteirinha e esse mundo cinematográfico representaria toda suposta realidade da minha vida e a cada cena “lavaria” o meu olhar para encontrar nos filmes suas diferentes realidades. E essa força que o cinema tem em nossas vidas passa por cima daquilo que procuramos para concordar ou contrapor nossas idéias. É como por exemplo conversar com uma pessoa conhecida, um amigo ou familiar. O cinema passa pelas veias invisíveis do cotidiano, e continua no nosso inconsciente preenchendo o reflexo e a representação que temos da realidade.
Compreender a vida sempre teve sua forma crua de realidade e o cinema veio para anestesiar todos esses sentimentos. Já somos acostumados a encher os olhos com as produções hollywoodianas e acreditar inconscientemente nos personagens destas produções, pessoas frias e esquizofrênicas. Os franceses dos anos 70, descolados, intelectuais e sexualmente liberais ou os asiáticos que gritavam em forma de poesia sua cultura, crenças e valores. Cada um tem o cinema a representação de sua realidade.
Também temos como exemplo as frases e os personagens que citamos e copiamos no nosso cotidiano, seja propositalmente ou até mesmo sem querer. Ou então, nas situações que acontecem em nossa vida e concluímos que tudo passou na nossa frente como um “filme” ou que tal situação era “cena de um cinema”. É a projeção do que somos e do que queremos ser, afinal nosso comportamento, nossa realidade precisa estar baseada em alguma coisa, ainda mais quando ela é cinematográfica.
Ao finalizar minha Pós- graduação em cinema em Curitiba descobri que todo tipo de cinema é bom, seja ele entretenimento, documental ou independente, cada um representa uma realidade de alguma forma. No meu caso aprecio mais uma obra que outra quando esta se expressa de forma diferente, fora do comum. Essa é minha realidade e, creio, de muitos amantes da sétima arte. Um filme que foge dos clichês precisa sua atenção especial, pois de comum já basta o cotidiano.
Para escrever sobre essa paixão, reúno todas as cenas, frases, personagens, realidades, não apenas a que quero representadas, mas todas. Filmes, bons ou não, que circulam no turbilhão das minhas idéias. Sendo assim, se precisar voltar ao inicio, e acredito ser necessário, buscarei o esquecido para traçar um novo caminho. Quero convidá-los a me acompanhar para compartilharmos esse turbilhão de idéias e vidas que o cinema nos proporciona. Não prometo chegarmos a uma verdade. Afinal nossa realidade muda a cada dia e como o cinema é reflexo disso tudo, entender essa dinâmica é necessário.